Dioses y Monstruos

DE LOS CAMPOS... ¡SE PODÍA SALIR!

2010-05-19T11:42:00.009+02:00

Termino de leer Violetas de marzo, la primera entrega de la serie de novelas que Philip Kerr le dedica al detective Bernie Gunther, englobadas bajo el título genérico de “Berlín Noir”. Y el final de la lectura me deja sumido en una duda que ya es recurrente.

Ambientado en 1936, en los días de los Juegos Olímpicos, el libro nos presenta a un genuino investigador privado que no tendría nada que envidiar a los surgidos de las plumas de Hammett o Chandler. Cínico, inteligente, duro, siempre con la réplica exacta en los labios y el correspondiente tirón entre las damas, tiene sin embargo que moverse en un laberinto en el que cualquier paso puede ser fatal. Evidentemente, buscar a un desaparecido o investigar un crimen en la capital del Tercer Reich, donde existe un precario equilibrio entre las diferentes policías, la Gestapo, las SS, las redes mafiosas y las luchas de poder entre los miembros de la cúpula del régimen, no es lo mismo que moverse por las calles de Los Ángeles de la misma época, por mucho crimen y corrupción que hubiera en los Estados Unidos del momento.

La narración es ágil, el autor demuestra conocer al detalle cómo era la vida en el Berlín de la época (o eso nos hace creer, al menos, a los confiados lectores) y te engancha desde la primera página. Pero, en su afán de traer un retrato lo más completo posible de un momento especialmente conflictivo, hace que la trama pase por el campo de concentración de Dachau. Y ahí es donde, una vez más, uno se topa con los problemas que trae toda representación del Holocausto, y más su utilización para la ficción. Porque aquí está todo: el infierno de una maquinaria de destrucción que se ceba, especialmente en los judíos. Pero aquí, curiosamente, uno se encuentra con una novedad: de los campos de concentración uno podía ser liberado... sin tener que esperar a que llegaran los rusos o los americanos.

Una sensación extraña, muy extraña. Y curiosamente, en Quimera, me encuentro una entrevista de Roberto Valencia a Álvaro Lozano, autor de El Holocausto y la cultura de masas. Y en ella leo lo siguiente:

“En realidad, mi opinión es que el Holocausto no debe ser representado sino repensado desde la perspectiva histórica. No es material para una serie estadounidense. Las historias de aquellos que sobrevivieron distorsionan el pasado, no porque no sean auténticas (dejando de lado el tema de la fragilidad de la memoria personal), sino debido al hecho de que excluyen las historias de los fallecidos, que fueron la inmensa mayoría, no porque no desearan ser salvados, sino por una combinación de circunstancias en las que las habilidades personales y la voluntad apenas jugaron un papel destacado, y en las que el azar fue un factor decisivo. Por otro lado, ninguna representación del Holocausto puede obviar la cuestión de la familiaridad de la audiencia con la violencia gráfica de las películas de Hollywood, con la subsiguiente disminución del impacto de estas películas. En esas condiciones, a lo mejor sería más deseable abandonar todos los intentos de representar la brutalidad del Holocausto, y visualizar, tal vez, los aspectos burocráticos, tal y como recoge la película La solución final sobre Wannsee, o investigar medios para representar el auténtico elemento singular del Holocausto: el asesinato masivo y sistemático de seres humanos en las cámaras de gas. El hecho de que aquellos que desean relativizar o negar el Holocausto ataquen precisamente ese aspecto de banalización a través de la ficción, es la prueba innegable de su necesaria centralidad en cualquier representación del acontecimiento.”

Difícil dar una respuesta. Pero eso sí, al menos, Violetas de marzo no es El niño con el pijama de rayas. Eso, al menos, sí que hay que concedérselo a Kerr.

LA VIOLETA DEL PRATER

2010-02-26T12:55:00.007+01:00

Ahora que todo el mundo afirma carecer de tiempo para enfrascarse en la lectura, aquí traigo una pequeña recomendación: La violeta del Prater, de Christopher Isherwood (sí, sí, el mismo autor de Adiós a Berlín, el libro que dio pie a la inolvidable Cabaret, o de la novela Un hombre soltero, recientemente llevada a la pantalla por Tom Ford), editada por Veintisiete Letras.

Porque parece casi imposible ofrecer más de lo que da en sus 135 páginas de ágil lectura, llenas de esos diálogos tan precisos y absorbentes marca de la casa, y que tienen además un encanto especial para el cinéfilo. Ambientada en el Londres de 1933, La violeta del Prater está protagonizada por el propio Isherwood, que es contratado por un gran estudio para ayudar en la realización del guión y la dirección de una ñoña película sentimental que va a dirigir un director vienés, exiliado de su país para huir del ascenso nazi. Una experiencia que no es más que el trasunto de la vivida por el propio Isherwood en la realización de Little Friend, una cinta de Berthold Viertel de 1934.

La novela no sólo nos guiará a lo largo del complejo proceso de escritura del guión y nos introducirá en el mundo en miniatura de un gran estudio, con todas sus insidias, sus miedos, sus estrellas, su caos aparentemente controlado del que, sin que nadie sepa muy bien cómo, acaba surgiendo una obra cinematográfica. Es también el retrato de una sociedad en tensión, que ve cómo el cielo se va encapotando y amenaza guerra, de cómo ese estado prebélico se infiltra en los pequeños detalles de la vida diaria. Una obra pequeña si se quiere, pero deliciosa, una de esas filigranas que se disfrutan simplemente dejándose llevar. Y ya se sabe que hacer que parezca fácil es siempre lo más complicado.

Vía "Los críticos de élite no comen palomitas"

CRÓNICA DE UNA COMPRA POCO EJEMPLAR

2009-12-23T13:52:00.005+01:00

¡Si es que no se pueden comprar las cosas sin mirar! Acudo a una abarrotada Fnac en busca de algún DVD con el que regalarme las Navidades, y mis ojos se fueron a Mi vecino Totoro. Mi duda fue con qué versión quedarme. Tenía ante mí la sencilla, de un solo disco, y otra caja muy mona, y sensiblemente más cara, cuyo contenido curiosamente no aparecía por ningún sitio. Iluso de mí, fue con la que me quedé, pensando que tenía un muñequito o algo así... Pues ni muñequito ni nada, una agenda no demasiado elaborada y más pensada para el público infantil (obviamente). Conclusión: soy una víctima de la sociedad de consumo, y me está bien empleado.

MI LISTA

2009-12-22T11:13:00.009+01:00

Me piden de LaButaca.net mi lista con las diez mejores películas del 2009. Si poner estrellitas ya es complicado, no digamos lo de seleccionar y ordenar lo que más te ha gustado en el año. Con todas las precauciones del mundo, termino proponiendo las siguientes: 1. Up; 2. Gran Torino; 3. La clase; 4. Donde viven los monstruos; 5. Los mundos de Coraline; 6. Déjame entrar; 7. Frozen River; 8. El secreto de sus ojos; 9. Celda 211; 10. (500) Días juntos. Y que sea lo que Dios quiera.

NIÑOS DE HOY

2009-12-21T11:56:00.006+01:00

Corren malos tiempos para las visiones bobaliconas y sensibleras de la infancia... ¡y me encanta! El camino trazado por autores como Roald Dahl tiene legítimos seguidores y, sin ánimo de ser exhaustivo, el año que se acerca a su fin nos trajo a la maravillosa Coraline, al Oskar de Déjame entrar... y ahora, al Max de Donde viven los monstruos. Todos, legítimos herederos del Jim de El imperio del sol...

ESPERANDO A TESLA

2009-12-18T14:11:00.006+01:00

Mi buena amiga Pilar me tiene sobre ascuas con la próxima aparición de Nikola Tesla. El genio al que robaron la luz, de Margaret Cheney (Turner). Desconocía la fascinante vida de este hombre (enfrentar su personalidad a la Edison es fascinante), pero fue ver a David Bowie interpretándole en la gloriosa El truco final (The Prestige) para terminar subyugado por esa figura entre alquimista, visionario y científico moderno. Que sepáis que pienso devorarme el libro y, más que seguro, daros la lata sobre él desde aquí.

EL MEJOR ACTOR FELINO

2009-12-16T10:22:00.006+01:00

Como amante confeso de los gatos que soy, siempre he lamentado que lo mismo que les convierte en animales únicos (su independencia, su elegancia, su no aceptación de las órdenes, la necesidad de establecer constantemente una entente de convivencia entre ellos y nosotros, esa sensación de que nunca terminan de pertenecerte, como mucha gente a la que quieres) es, a la vez, el principal escollo para trabajar con ellos en el cine. Si Hitchcock dijo aquello de que no había que trabajar ni con niños ni con perros, no quiero ni imaginarme de lo que podría haber dicho con respecto a los gatos. Por eso, no deja de maravillarme el felino que interpreta a León, el gato de la portera de El erizo. ¿Truco digital o realmente un animal que sabe estar ante las cámaras? No lo sé, pero desde luego una cosa es cierta: no recuerdo haber visto ningún otro minino que luciera tan bien en pantalla.

VOLVER A VER A UN VIEJO CONOCIDO

2009-12-15T11:30:00.005+01:00

Vuelvo a ver, junto a los chicos de la Carlos III, a Timothy Treadwell, el protagonista de Grizzly Man, el documental de Werner Herzog que dio origen al post que, más de tres años después, sigue siendo el más visitado de este vuestro blog. Siento cómo se abren de nuevo todas las cuestiones, y en las cañas posteriores apenas tocamos todos los campos que abre su extraordinaria experiencia junto a los osos de Alaska. El ecologismo, la construcción de una personalidad, la posibilidad de comunicarse verdaderamente con los animales, la capacidad autodestructiva... Sus imágenes siguen fascinándome y, por algún motivo, verle irse con los zorros que le siguen me conmueve como la primera vez. Esto es Cine, con mayúsculas. ¡Qué cabrón eres, Werner!

¡PUBLICO UN LIBRO!

2009-12-14T10:28:00.006+01:00

[ACTUALIZADO EL 26/2/10]
Pues sí. Y tiene el corto y contundente título de Ya no se hacen películas como las de antes... pero no importa. 154 razones para seguir teniendo fe en el cine, y me lo publica la editorial Laria. Se trata de una antología de críticas publicadas, en su mayor parte, en LaButaca.net, y unas pocas en el blog que ahora mismo tenéis ante vuestros ojos, de películas de estreno. El viernes tuve en mis manos el primer ejemplar, y os puedo asegurar que fue una experiencia muy emocionante... En fin, si os interesa, el libro puede comprarse, en Madrid, en la librería Ocho y Medio, y en Barcelona en la librería Bertrand (en Asturias, está distribuido con normalidad). Os iré informando según vaya estando disponible en otros sitios (también se puede adquirir on line en la web de la Fnac, en la de la Casa del Libro, en la de la Antonio Machado, en la de la librería Cervantes). Y por supuesto, gracias a los que empezasteis a leerme cuando comencé con este blog, hace más de tres años: al fin y al cabo, este libro no habría existido si vosotros no me hubieseis seguido animando a escribir sobre algo que me apasiona tanto como a vosotros: el cine.

¡JAMES, DIME QUE NO HAS SIDO TÚ!

2009-12-11T12:02:00.005+01:00

Como no podía ser menos, me uno a la indignación de mi compañero Jaime: el último tráiler de Avatar es de vergüenza. Tanto, que no pienso colgarlo aquí (de todas maneras, será bien difícil librarse de él estos días en el cine, vaya lo que vaya uno a ver). ¿Y por qué? Porque no se podía haber hecho una pieza que destripara más una película, que dejase más escaso hueco a la sorpresa, que nos contara más cosas por si acaso somos tontitos y tenemos dudas de qué ir a ver. ¡Si yo ya tenía ganas! Y lo visto, por excesivo, casi casi me las ha quitado... bueno, no tanto, porque verla la veré. Pero me cuesta creer que algo así haya salido de la mente normalmente lúcida de James Cameron. En fin, entérense de una vez, queridas productoras, queridos distribuidores: los espectadores, por lo general, no somos cortitos mentales. No busquen inspiración entre los que les rodean en los despachos y hagan algo muy simple: pónganse en el lugar del que compraría una entrada para ver su película si le convencen, y que no desea que insulten su inteligencia. ¿O es que para publicitarnos el nuevo Dan Brown nos cuentan al dedillo todo lo que sucede en el libro?

¡TOMA YA MARKETING!

2009-12-10T11:57:00.007+01:00

Retomo aquí el tema de dos de mis post anteriores. Dice Francisco Casavella en uno de los artículos recogidos en Elevación, elegancia y entusiasmo: "...el 5 de octubre de 2005 se emite en Estados Unidos el tercer capítulo de la segunda temporada de Perdidos. En una de las escenas, y sólo por un momento, el espectador ve la portada de la novela de Flann O'Brien El tercer policía. Durante los dos días siguientes, las librerías despachan diez mil ejemplares del volumen." Me quedo con la boca abierta; se me ocurren muchas cosas, pero en realidad creo que el hecho habla por sí mismo.

EL ANTÍDOTO SENTIMENTAL

2009-12-09T11:47:00.007+01:00

Si, como dicen en 500 días juntos, el cine y la música pop han hecho mucho daño sentimental, con sus promesas de enamoramientos idílicos y relaciones de color de rosa, habría que decir que la ópera prima de Marc Webb ofrece el oportuno antídoto. Quien haya pasado por una ruptura (o sea, prácticamente todo el mundo) no podrá por menos de sentirse interpelado y reconocido en las descripciones de todas las fases del amor, y el fraccionar la secuencia temporal para contrastar momentos paralelos (la reacción ante la misma canción en las fases de euforia y depresión, la descripción de la persona amada...) resulta divertido, sí, pero también demoledor. No tengo claro si conviene verla en estado sensible, o recién terminada una relación: puedes sentirte acompañado, pero me temo que no es una de esas ocasiones en las que reconocer que alguien ajeno expresa mejor que tú lo que te ocurre sirva de mucho. Y es que ese final, a pesar de todo, feliz (aunque con su punto de escepticismo) no deja de ser, también, una concesión pop. Puede que tras el verano venga el otoño, sí. O al menos, así sucede en las películas...

ALMODÓVAR NO SE RÍE (DE SÍ MISMO)

2009-12-07T11:34:00.008+01:00

Curioso esto de que los directores de las películas parodiadas en Spanish Movie hagan cameos en ella, algo que representa una novedad con respecto a sus modelos norteamericanos (¿alguien se imagina a Shyamalan apareciendo, por ejemplo, en la correspondiente entrega de Scary Movie?). Pero, puestos a ellos, no deja de ser curioso que, mientras que Alejandro Amenábar, Juan Antonio Bayona, Jaume Balagueró y Paco Plaza (sale también Álex de la Iglesia, pero él no es parodiado, al menos que yo haya reconocido) entran en la broma, Pedro Almodóvar, al fin y al cabo responsable subsidiario de la trama principal (esa Ramira interpretada, muy bien por cierto, por Alexandra Jimémez, trasunto de la Raimunda-Penélope Cruz de Volver), brilla por su ausencia. ¿Será que la broma no le va, o que iba fatal de fechas?

LOS DIÁLOGOS DE AARON SORKIN

2009-12-04T13:03:00.008+01:00

Como colofón al post de ayer: cuando tantas veces se dice que el cine actual ha perdido la capacidad de los clásicos para construir diálogos raudos, brillantes e hipnotizantes (vamos, que los herederos de Wilder y Lubitsch brillan por su ausencia), no puedo evitar pensar en Aaron Sorkin y esas secuencias en las que dos personajes pueden recorrer los pasillos de la Casa Blanca manteniendo una conversación que mezcle datos personales, una fina ironía y el abordaje de alguna oscura y casi ininteligible cuestión de cambalache político (eso, por no hablar de cuando los temas de conversación pueden ser enmiendas procedimentales para la aprobación de algún reglamento que desarrolle una ley sobre las subvenciones agrarias, y no es una exageración decir que hasta se nos vuelven apasionantes y todo). Ver los episodios de las tres primeras temporadas de El ala oeste de la Casa Blanca puede ser como presenciar uno de esos números de circo en los que alguien se esfuerza en mantener girando decenas de platos a la vez. Y además, aún guarda joyas como ésta, uno de esos momentos en los que te gustaría, cuando te encuentras a un sujeto como el de la "doctora" que aquí aparece, tener la locuacidad que el señor Sorkin otorga al mismísimo presidente Jed Bartlet:

"THE HOLLYWOOD REPORTER" HACE UNA LISTA, ¿Y QUÉ?

2009-12-03T11:58:00.012+01:00

Se ha montado una bonita polémica con la lista de las mejores series que ha publicado The Hollywood Reporter. Supongo que es inevitable (a la par que inofensivo), y listas posibles hay tantas como espectadores. Yo también estoy bastante sorprendido de que no estén A dos metros bajo tierra, Deadwood o The Wire, estas dos últimas, en cierta manera, representantes de un estilo narrativo en las antípodas de Perdidos, por lo que no hubiese estado mal que apareciesen, para incluir todas las vertientes de la creación televisiva. Pero eso sí, ¿alguien puede discutir el primer puesto de Los Soprano? ¿Y el puesto de plata para El ala oeste de la Casa Blanca, cuyas tres primeras temporadas están recorridas por unos guiones sin igual del genial Aaron Sorkin? No seré yo, y al fin al cabo, esta lista vale para lo que vale: para discutir. A ser posible, en un bar.

LA MUERTE DE UN COSMONAUTA

2009-12-02T11:17:00.007+01:00

En La Vanguardia del día 27 leí la noticia de la muerte de Konstantin Feoktistov. Un nombre que, evidentemente, no me decía nada, si no fuera porque se trataba de uno de los últimos representantes de la gloriosa generación de cosmonautas de la quinta de Gagarin. Fue, además, el primer científico en subir al espacio: era el segundo del ingeniero jefe y, cuando se discutió la posibilidad de ampliar a tres personas la capacidad de las naves Vostok, él se opuso. Según la nota de Gonzalo Aragonés, "se dice que sólo se dejó convencer cuando Korolyov propuso que el tercer tripulante fuera él". Y se consiguió a base de suprimir los sistemas de expulsión de emergencia de los asientos de los cosomonautas y las escafandras. Todo un símbolo de una época pionera, heroica, uno de esos relatos que me bebía de niño y que ahora, cuando parece que la carrera espacial ya no es prioridad, parecen más cercanos al mundo de Julio Verne que a la realidad.

¡SALVEMOS EL "ASÍ HABLÓ ZARATUSTRA"!

2009-12-01T16:13:00.000+01:00

Pues sí, y que conste que me refiero a la pieza musical de Richard Strauss, no al libro de Nietzsche. Porque, a este paso, va a desaparecer desgastada de tanto uso paródico con un astronauta o similar descendiendo o flotando o apareciendo o lo que sea a los sones de la música (la última, en Planet 51). ¿Alguien ha contabilizado las veces que, desde 2001, ha sido utilizada? Me atrevería a decir que, si no es la melodía más sobada en las bandas sonoras, poco le debe faltar. Bien están los clichés, pero hombre, ¡currémonoslo un poco más! ¡Declaremos el Así habló Zaratustra Reserva Musical de la Biosfera, y salvémoslo de la cita intensiva!

PRESENCIA DE JOSÉ ÁNGEL VALENTE

2009-11-30T12:37:00.006+01:00

El próximo viernes 4 de diciembre, a las 19.30 horas, en el Centro Cultural de Círculo de Lectores de Madrid (O'Donnell, 10), nos reuniremos para recordar al desaparecido poeta José Ángel Valente en su 80 aniversario. El acto, bajo el título Presencia de José Ángel Valente, reunirá en una lectura a Marta Agudo, Jordi Doce, Manuel Fernández Casanova, José Luis Gómez Toré, Antonio Méndez Rubio, Carlos Peinado Elliot, Esther Ramón, Claudio Rodríguez Fer, Andrés Sánchez Robayna, Joan Tarrida y Nicanor Vélez. Además, se estrenará en Madrid la obra Muros de dolor... V: José Ángel Valente - Memoria sonora de Mauricio Sotelo para violín y electrónica 2009, interpretada por Raquel Rivera (violín) y Mauricio Sotelo (electrónica). No hace falta que os diga que estáis todos invitados...

CORALINE NO PIERDE SI LE QUITAS UNA DIMENSIÓN

2009-11-27T11:00:00.001+01:00

Recupero en DVD Los mundos de Coraline y, aparte de volver a introducirme en una de las historias más fascinantes y subyugantes que nos ha dado la animación en los últimos años, me planteo si de verdad el 3-D va a ser una revolución o una simple moda. Me encantó verla con las gafas, pero ahora que he vuelto a la bidimensionalidad para la pequeña pantalla (¡miedo me dan las gafas de cartón acharoladas que vienen con la película, éstas sí similares a las de tantos dolores de cabeza de años ha!), sigue siendo espectacular, bellísima, colorida, tétrica, divertida e inquietante... Y si quitarle algo así no altera el producto, ¿de verdad serán tan necesarias las tres dimensiones? Veremos si James Cameron nos resuelve la duda...

EL CINE ESPAÑOL Y EL DERECHO (O NO) A EQUIVOCARSE

2009-11-26T11:32:00.008+01:00

Leo en ABC las siguientes declaraciones de Enrique González Macho, productor y distribuidor y alma mater de los Renoir: "Todo el mundo tiene derecho a hacer una película y a equivocarse, pero no creo que tengamos que crear una industria en la que el que se equivoca siempre siga. No es que se hagan películas buenas o malas. El problema es cuando se hacen películas inútiles". Muy interesante pero, como siempre, demasiado elíptico... ¿Cuáles son las películas "inútiles"? ¿Quién tiene derecho a volver a intentarlo después de equivocarse, y quién no? Aun así, me parecen unas de las palabras más enjundiosas que se han dicho con motivo del movidón de la Ley del Cine.

DEADWOOD, UN LUGAR DONDE PROBAR SUERTE

2009-11-25T10:26:00.003+01:00

Le hinco el diente a la tercera (y última) temporada de Deadwood, la estupenda serie de la HBO (¿quién si no?). No deja de ser curioso que un género tan muerto (dicen) como el western siga teniendo potencial para levantar historias tan absorbentes, y en el fondo tan reveladoras de la condición humana, como las que recorren la historia del crecimiento del poblacho sin ley que da nombre para transformarse en una ciudad (más o menos) civilizada. Y quizá lo más relevante es que el verdadero “héroe” sea el cruel, inteligentísimo y carismático propietario del prostíbulo original del pueblo, Al Swearengen (glorioso Ian McShane), un tipo acostumbrado a zanjar los eventuales problemas que le produce regir los destinos del pueblo rebanando cuellos y arrojando cadáveres a los cerdos. Y sin embargo, cuando choca con los que pretenden llevar las instituciones y el comercio a Deadwood, con bonitas palabras que sólo ocultan sus pretensiones mafiosas de quedarse con todo el oro de las montañas, uno no puede evitar simpatizar con él, con su lúcida visión de que, con la civilización, no desaparece la ley de la selva: sólo se vuelve mucho más tramposa. Sólo por eso, por esa capacidad para iluminar nuestra parte menos presentable, y recordarnos que está ahí, merece la pena dejarse llevar, parafraseando el lema promocional, a ese lugar donde probar suerte...

COSAS DE ADOLESCENTES

2009-11-24T11:43:00.004+01:00

¡Pobres adolescentes! No sólo se acumulan los estudios que nos vienen a decir que reúnen lo peor de lo peor (son promiscuos, violentos, desobedientes, descreídos... vamos, lo que se dice una bomba a punto de estallar) sino que, encima, cuando algo les gusta, todo el mundo les viene a decir que eso que les gusta no es más que una tontería. “¡Bah! Son cosas de adolescentes” se ha convertido en una frase suficiente para enarcar la ceja y sentirse muy adulto y trascendente. ¿Que acampan para ver a los Jonas Brothers? Cosas de adolescente ¿Que corren como gacelas a abarrotar los cines para ver Luna nueva? Cosas de adolescente. Y además, les razonamos que si les están embutiendo moralina decimonónica disfrazada de trascendencia, que si están adocenados y manipulados, que si... Afortunadamente, mientras nosotros llenamos las salas para ver la muy adulta y profunda 2012, ellos no nos hacen ningún caso y van a ver lo que les apetece. Y es que, en el fondo, no acabo yo de ver tanta diferencia entre sus consumos culturales y el nuestro.

EL CINE, LA PALABRA, EL ENTUSIASMO

2009-11-23T11:20:00.005+01:00

Fin de semana invitado por el Festival del Cine y la Palabra (CIBRA), en Puebla de Montalbán (Toledo), localidad natal de Fernando de Rojas, el autor de La Celestina. Mesa redonda sobre adaptaciones literarias y cine junto a David Felipe Arranz, José Antonio Pérez Bowie (segundo apellido, en este caso real, que despierta poco originales reminiscencias), Terele Pávez (la Celestina por antonomasia) e Hilario J. Rodríguez. Y sobre todo, una estancia con un grupo de entusiastas volcados para sacar adelante una iniciativa que involucre a todo el pueblo. Cuando en demasiadas ocasiones hay tanto institucionalismo, tanto cálculo para sacar réditos, que aún se puedan poner en marcha certámenes como éste apoyados en un grupo de gente dispuesta a trabajar y a aportar algo al resto, es una satisfacción. Todas las actividades han sido un éxito de participación; ahora sólo falta que repitan el año próximo. Hasta entonces, enhorabuena a todos los integrantes del Cine Club Juan Diego y de la asociación cultural El viento de la Luna.

"PERDIDOS", EL INTELIGENTE ENGAÑABOBOS

2009-11-20T11:48:00.008+01:00

Leo en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia que en Barcelona existe un bar temático dedicado a Perdidos (no me sale lo de Lost, lo siento, ¡tanto quejarnos de las malas traducciones de los títulos, y para una vez que es respetuosa con el original, lo moderno parece ser llamarla en inglés), y eso me hace volver a plantearme mis dudas con respecto a la serie, de la que me confieso seguidor fiel. Sin embargo, con ella me pasa lo mismo que, salvando las distancias, me ocurrió con la película de Disney Bajo cero: que, mientras una parte de mi cerebro la sigue con fruición y procurando no perderse ripio de su más que intrincado argumento, otra me susurra de vez en cuando al oído: “pero, ¿no ves que todo es un inteligente engañabobos?”. Lo que pasa es que, como casi siempre, a esa parte de las meninges no le hago ni caso. Y si, por alguna extraña casualidad, se lo hago, me quedo sólo con la palabra “inteligente” y desdeño la de “engañabobos”. Al fin y al cabo, si me la tienen que dar con queso, que sea con un producto tan bien hecho y aparente como éste.

NO HAY PLACER MINÚSCULO

2009-11-19T11:28:00.003+01:00

"Quizá lo que llamamos placeres minúsculos sean los que trae la edad madura. Es decir, los placeres que nunca supimos que lo eran. Esos goces que degustamos con la convicción ya muy firme de que esta vida no es ni maravillosa ni horrible, ni lista ni tonta, ni fea ni guapa, sino todo lo contrario, porque no hay con qué compararla. La vida es única. Y se acaba. Asumido el trago, uno puede aferrarse con más o menos éxito a las cosas que siempre le han garantizado placer y éstas se convertirán, de modo inexorable, en pasión. En pasión patética, seguramente. Ése es un camino, que diría el maestro Zen. Otro camino, que puede ser el mismo, pero en otro carril, es concentrarse en los placeres nuevos. Yo he descubierto el silencio. ¡Vaya invento!, me dirán. Pues sí. Nunca había caído en la inagotable fuente de placer que proporciona el silencio: incoloro, inodoro, pero nada insípido. Que calle una taladradora, artificial o humana. La ciudad, antes de que el lunes amanezca. Los agradables silencios con un ser querido. El silencio del ex presidente del gobierno en su monasterio. Saber que el silencio será, al fin, el único placer que te quede. Porque el futuro es un monstruo charlatán y vengativo". Francisco Casavella, "El resto es silencio", recogido en Elevación, elegancia y entusiasmo (Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores, 2009)

UTILIDADES DE LA CULTURA CINÉFILA

2009-11-18T10:01:00.004+01:00

Esta historia ya se la he contado a mucha gente de viva voz, pero es tan buena que merece ser puesta también por escrito: hace un par de semanas estábamos acodados en la barra del Quinto Vino, uno de los mejores sitios del mundo para semejantes menesteres. Habían dado las doce, momento de bajada de persiana y de comenzar el goteo de gente, cuando tres graciosillos de última hora logran colarse y pedir unos vinos. Y no contentos con ello, a eso de las doce y media, el más graciosillo entre los graciosillos se dirige a Juan, el encargado, y le pide que corte "un poquito de jamón". Y la respuesta de Juan, tras darse la vuelta y mirarle, es: “¿Tú no sabes que a los gremlins no hay que darles de comer después de las doce?”. Ante semejante respuesta, momentáneo silencio del graciosillo entre los graciosillos (y carcajada de los testigos que estábamos presentes), y luego una débil respuesta: “Oye, que no soy tan feo”. “Claro, por eso, por eso, para que sigas así”. Total, que terminaron su vino y se fueron. ¡Para que luego digan que la culturilla cinéfila no sirve de nada!

UNA BUENA TARDE

2009-11-17T11:00:00.004+01:00

Revisitar lo que una vez nos marcó puede tener efectos contraproducentes. A veces, ni la película ni el libro ni el disco (incluso ni las personas) que dejaron una huella en nosotros son lo mismo cuando volvemos a ellos. Hay siempre un componente de riesgo en enfrentarse de nuevo a lo que una vez nos dijo algo, y lo cierto es que, a nuestros ojos, nunca es lo mismo. En el mejor de los casos, esa obra nos acompaña e interpela a las personas nuevas en que, en cierta manera, nos convertimos. Y si sucede que sigue viva para nosotros, que seguimos sintiéndola cercana, aunque quizá distinta, la experiencia es única. Ayer tuve una de ellas: volví a ver Smoke, después de diez años, y aún tiene mucho que decirme. Y lo mejor es que la vi con un estupendo grupo de universitarios, a los que también parece que les dijo cosas. Fue una buena tarde.

SOMOS LO QUE PERDEMOS

2009-11-16T11:14:00.002+01:00

Aún bajo los efectos de un accidente informático que me hizo temer lo peor este fin de semana (afortunadamente, uno tiene buenos amigos que le evitan el lanzarse de cabeza a comprar un nuevo ordenador hasta haber agotado las opciones racionales), no puedo evitar pensar que, en cierta forma, hay una nueva vía de expresión para los egos: valorarse por lo que perdemos cada vez que nuestro PC o nuestro portátil se va al garete. Hay escritores a los que les encanta hablar de esa grandísima novela que escribieron y que nunca vio la luz porque el disco duro les jugó una mala pasada; no sé hasta qué punto será verdad (dudo que nadie, a estas alturas del partido, se permita tener una sola copia de un original de, pongamos, cuatrocientas páginas), pero en mi caso he llegado a una conclusión no necesariamente animadora: que si no hubiera recuperado un solo documento, no se habría perdido gran cosa. Cura de humildad en un lunes proclive a ellas.

¿ACTUALIZA EL CINE A NOSTRADAMUS?

2009-11-13T11:09:00.006+01:00

Sí, sí, ya sé que todo va por modas, pero me he dado cuenta de una cosa que me llama la atención: ¿os habéis fijado que en las únicas dos películas (al menos, que yo recuerde ahora mismo) en las que aparece un presidente de los Estados Unidos negro, el mundo se acaba? A los hechos me remito: Morgan Freeman en Deep Impact y Danny Glover en 2012. ¿Simple casualidad? ¿Actualización de la predicción de Nostradamus del último papa negro? Me llevo la meditación de deberes para el fin de semana...

MI NUEVO VECINO TOTORO

2009-11-12T12:37:00.008+01:00

A veces me siento marciano por entusiasmarme con cosas para niños (aunque ver a mis amigos proclamar a voz en grito el nombre de Bob Esponja a la mínima de cambio mitiga la extrañeza, eso sí), y el arrebato que tengo después de haber visto Mi vecino Totoro no hace más que reforzarlo. Menos mal que uno lee a los veteranos cosas como ésta y se queda más tranquilo: “Mi vecino Totoro, una de las más bellas películas legadas por el cine de la década de los ochenta, comparte con los films citados líneas arriba [La noche del cazador, Matar a un ruiseñor, E. T.] el hecho de ser una de las mejores aproximaciones al universo de la infancia, entendida esta última como un espacio mágico y vital, tan bello como a veces tenebroso, donde los niños son por última vez niños antes de precipitarse a la mediocridad de la vida adulta. Todo ello contado, además, con una excepcional sensibilidad, una imaginación desbordante y un exquisito gusto visual” (Tomás Fernández Valenti, Dirigido por, Noviembre 2009). Uno será raro, pues, pero raro acompañado.

AGRIDULCES RAMMSTEIN

2009-11-11T10:18:00.004+01:00

Sensación agridulce tras ver el concierto de Rammstein. Por un lado, un show impecable en lo escénico, con una estética a medias industrial y apocalíptica, entre futuro de 12 monos, falla valenciana (por las tracas y los fuegos artificiales) y su correspondiente y prolífico uso de fuego y llamaradas. Por otro, un sonido de lata que hacía difícil distinguir las canciones (o al menos, en lo alto del Palacio de Deportes, donde nos encontrábamos). Aún así, dos cosas a destacar: 1) El teclista, el más animado que haya visto nunca en un concierto: no sólo aparentó que le cubrían con metal fundido, sino que se pegó una bonita caminata sobre una cinta situada entre los teclados, y remató literalmente “navegando” sobre el público en una barca hinchable. Y 2) El grupo de adolescentes acampadas a las puertas del palacio para ver, hoy, a los Jonas Brothers. Ante su genuino entusiasmo, las camisetas negras y los toques más o menos siniestros parecían poca cosa.

LUIS ZAHERA, EL OTRO GRANDE DE "CELDA 211"

2009-11-10T11:52:00.004+01:00

Todos los elogios, y más, que se hagan del trabajo de Luis Tosar en Celda 211 son más que justificados. Pero también abundan los comentarios al extraordinario trabajo de Luis Zahera como uno de los lugartenientes de Malamadre, el carismático líder del motín carcelario que centra la nueva película de Daniel Monzón. Para quien no le conozca, le recomiendo que se dé una vuelta por Imdb y recupere algunos de sus trabajos anteriores... La transformación es impresionante. A este paso, la cinta que encabeza el ranking puede ser también la que acapare mayor número de cabezones de interpretación masculina en los Goya del próximo año.

AYER PRESENCIÉ EL COMIENZO DEL FIN

2009-11-06T11:12:00.003+01:00

Puede que recuerde la fecha de ayer como los mayores recuerdan la de la llegada a la Luna, el referendum de la Constitución o el asesinato de Kennedy. Es posible que se me quede marcado a fuego como el instante en el que todo empezó a cambiar y a transformarse en otra cosa. Puede que haya un antes y un después, el principio del fin del Viejo Mundo y el nacimiento de otro lleno de miedos y esperanzas... Ayer quizá presencié el Fin de la Historia: por la tarde, vi por primera vez a alguien (un chico) leyendo un libro electrónico. Fue en un vagón de metro y me pareció que, mezclado con el sonido del tren avanzando por el túnel, podía percibirse el crujido que precede al derrumbamiento.

¿QUÉ TE HAN HECHO, KURT?

2009-11-05T10:59:00.005+01:00

La despedida de Kurt Wallander no puede ser más amarga y, a la vez, dejarnos con una sensación más extraña. Después de las andanzas de Lisbeth Salander en la trilogía de Stieg Larsson, más cercanas a la de una superheroína de cómic que a una historia real, volver a encontrarnos en El hombre inquieto con el entrañable y refunfuñón detective creado por Henning Mankell nos devuelve a territorios en teoría más cercanos. Pero da la sensación de que el autor está tan empeñado en cerrar la carpeta de un personaje que, al parecer, hace tiempo ha dejado de interesarle, que lo que le sucede a las puertas de la jubilación parece más un ensañamiento que otra cosa. Dejando a un lado el abrupto y desolador final, el desfile de personajes importantes de los otros títulos de la serie tienen más de baile de fantasmas que otra cosa. Y ante un caso que, en realidad, poco importa, uno termina con una incómoda sensación: la de que, a fuerza de humanizar a base de tragedias y desesperanzas la vida del detective, ha terminado construyendo una historia, en el fondo, menos creíble que los folletinescos vericuetos de Millenium... Buena nos la has armado, Henning.

DE TRES EN TRES

2009-11-04T11:38:00.003+01:00

Imagino que las redacciones fueron ayer una locura. Hay un dicho que asegura que las muertes nunca vienen solas, y de hecho encajar el puzle que supone montar una sección cuando coinciden más de un fallecimiento es una prueba apasionante para quien la presencia por primera vez (o al menos lo era cuando yo viví esa experiencia). Y supongo que el hecho de tener que pensar no sólo en el papel, sino también en las ediciones digitales, debe añadir todavía más emoción. Pero la prueba que vivieron ayer los periódicos fue de las de nota: que en poco más de veinticuatro horas se sucedan los decesos de tres personas tan diferentes, pero tan importantes cada uno en su campo, como José Luis López Vázquez, Francisco Ayala y Claude Lévi-Strauss debería figurar entre las pesadillas más amenazadoras para cualquier redactor jefe. Eso sí, al menos tuvieron el detalle de no concentrarse en medio de un puente. Anoche, en el tanatorio donde estaba Ayala, alguien comentó que se investigaba la influencia de los cambios de presión en el tiempo atmosférico para establecer una medicina preventiva que permita saber cuándo se van a concentrar las muertes. No sé yo, pero una cosa era cierta: algún que otro político debió temer liarse entre velatorio y velatorio. Para que luego digan que esto del coche oficial no trae servidumbres agotadoras.

¿QUIEREN UN TÓPICO? AQUÍ TIENEN UNO

2009-11-03T11:08:00.002+01:00

Las desapariciones siempre abren la puerta a los lugares comunes, y la muerte de José Luis López Vázquez no iba a ser una excepción. Pero que algo sea un tópico no implica, necesariamente, que sea falso, y en este caso hay algo muy evidente: que si hubiera nacido en Estados Unidos, hoy estaríamos hablando de que se nos había ido uno de los grandes del cine. Porque, sinceramente, bastaría con imaginarnos que tantos secundarios jocosos del cine norteamericano hubieran tenido la oportunidad de lucirse en papeles dramáticos, o en el teatro, como tuvo nuestro particular genio del bigotito. ¿No les habrían llovido los Oscar? Aquí, como somos de otra pasta, nos limitamos a darle un Goya de honor. Y, ¿qué quieren que les diga? Como que no es lo mismo.

LEJOS DE LA SOMBRA DE JAMES CAMERON

2009-06-09T22:04:00.001+02:00

Con la saga Terminator se da uno de esos casos curiosos que invitan a observar con cierta distancia las recepciones críticas de las películas (otro sería el de Jurassic Park: Parque Jurásico). La segunda entrada fue denostada en su momento por ser considerada un... Seguir leyendo en LaButaca.net

¡NOTICIA! ¡A RON HOWARD LE SALE UN THRILLER ENTRETENIDO!

2009-05-24T22:04:00.003+02:00

Si las razones del éxito de El código Da Vinci como novela hay que buscarlas más en el terreno de lo sociológico que de lo literario, las de su adaptación al cine resultaban mucho más fáciles de explicar: teniendo en cuenta que el libro vendió millones de ejemplares y llegó a una inmensa cantidad de... Seguir leyendo en LaButaca.net

SE LLEVA LO "RELOADED"

2009-05-18T23:28:00.005+02:00

Ya no basta con hacer remakes: ahora hay que reiniciar las series. Con los clásicos ya más que sobrexplotados (es un decir, claro, porque siguen siendo un pozo sin fondo) y con el índice de nuevas versiones alcanzando cotas de saturación... Seguir leyendo en "Los críticos de élite no comen palomitas"

"STAR TREK": ¡LARGA VIDA A LA AVENTURA!

2009-05-15T13:09:00.003+02:00

J. J. Abrams ha sido señalado como el gran renovador del lenguaje audiovisual, especialmente por sus trabajos para la pequeña pantalla, señaladamente ese Perdidos que tantas páginas de análisis y comentarios... Seguir leyendo en LaButaca.net

"DÉJAME ENTRAR": DE TERNURAS Y MONSTRUOS

2009-04-23T09:00:00.002+02:00

El título de este post lo he cogido prestado, conscientemente, de la crítica que Jordi Costa hizo en El País de Déjame entrar. Porque resulta difícil encontrar un ejemplo más contundente en los últimos tiempos de una cinta que sea capaz de incorporar la ternura...

Seguir leyendo en el blog Los críticos de élite no comen palomitas

LA OTRA CLASE

2009-03-01T12:00:00.007+01:00

Pasaron los Oscar y vimos cómo La clase, esa extraordinaria película sobre un profesor y sus alumnos en un instituto multirracial de París se quedaba sin estatuilla (aunque tampoco se la quitara su rival más acérrima, Vals con Bashir, sino sorprendentemente la japonesa Departures, que desde luego ya tenemos ganas de ver porque las referencias son estupendas). Y uno no deja de preguntarse por qué el tema de la educación no ha dado pie a producciones españolas, más allá de las irreales series televisivas que explotan el cliché adolescente (o sea, como siempre, incluida nuestra época), y con nulo interés de profundizar en lo que significa educar, con las que nos castigan desde las cadenas. Pero claro, ya se sabe, en España tenemos siempre temas más importantes con las que llenar páginas, horas y megas en los medios, que algo tan anodino como la formación de los niños.

Por eso, deslumbra un cortometraje como La clase (de igual título que el español de la película de Laurent Cantet aunque de temática muy diferente... aunque con algún punto de contacto), de Beatriz M. Sanchís, que consigue la cuadratura del círculo: abordar un tema que sobre el papel nos haría huir en sentido contrario (los preparativos de una función de teatro escolar) de una manera fresca, divertida, absorbente, intrigante y, también, con más miga de lo que podría parecer en un primer momento.

Porque resulta inevitable dejarse arrastrar por este puñado de chicos que se enfrentan a su primera experiencia teatral, con un profesor más exigente que cualquiera de los que pululan por las pseudoacademias televisivas, y que se convierten en sosias de las grandes divas y actores de las tablas en sus reflexiones sobre el hecho teatral... hechas, claro, desde la falta de ampulosidad y poses de quienes se enfrentan divertidos al juego de ser otros.

Así que, quien se haya enfrentado a la experiencia de participar en una obra de teatro en el colegio (los de nuestra generación, al menos, nos librábamos del castigo que debe de ser que los padres graben absolutamente todo, hasta el punto de que no llegan a ver en ningún momento a su retoño salvo a través del visor de su cámara), no podrá más que sonreír ante recuerdos que, visto lo visto, son exactamente iguales que lo que viven estos chicos. Veinte minutos que te dejan con una sonrisa en la boca, divertidos y amenos, y que vuelven a demostrar cómo el cine es capaz de encontrar la narrativa en cualquier cosa de la realidad... incluso, en algo tan poco glamouroso como el apañadito salón de actos de un colegio cualquiera.

Que lo disfrutéis. Para ver el corto La clase, pinchad aquí.

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AL FINAL, SÓLO LOS JAPONESES PUDIERON CON NUESTRO FLAMANTE CAMPEÓN

2009-02-23T21:39:00.002+01:00

Una cosa tengo clara, que nuestro flamante ganador de la quiniela, Juanjo, va a acordarse bastante de Departures, la sorprendente ganadora al Oscar al Mejor Documental, porque el hecho de que, contra todo pronóstico (en Europa, porque parece que la cinta ha sido un éxito tremendo en toda Asia) se llevara la estatuilla ha hecho imposible que hiciera pleno. Pero desde luego, hay que quitarse el sombrero ante los ¡9! aciertos que ha tenido (a años luz, por ejemplo, de los 6 de servidor).

Tan claro lo tuvo que hasta acertó apostando por Sean Penn en lo que fue la gran sorpresa de la noche (tanto, que creo que ni él mismo se lo terminaba de creer cuando subió a recoger la estatuilla). Por lo demás, se cumplieron los pronósticos y Slumdog Millionaire arrasó (¡olé!), la Winslet por fin se llevó su ansiado calvo (no pensemos mal) y nuestra Pe se llevó un demasiado generoso premio por un papel que no está a la altura del de una Viola Davis o una Marisa Tomei. Pero, en general, un palmarés poco discutible en una de las ediciones con mejores películas a concurso de los últimos años (¡si hasta estaba Werner Herzog entre el público, tan formalito que hasta llevaba smoking y todo!).

Pues nada, Juanjo, como no tengo ningún dato tuyo, para poder entregarte el premio (un ejemplar del libro Donde todo ha sucedido. Al salir del cine, de Javier Marías), sólo necesito que me envíes un e-mail a diosesymonstruos.rosenrod@gmail.com, con los datos donde tengo que enviártelo. Y a todos los demás, ¡gracias por participar! El próximo año repetimos, ¿OK?

YO TAMBIÉN ME MOJO EN LA QUINIELA (PERO NO CONCURSO)

2009-02-15T12:00:00.025+01:00

Quedan aún algunos días para que participéis en nuestra particular quiniela de los Oscar. Ya nos han llegado la mayor parte de las películas nominadas en las categorías principales, así que resulta más fácil inclinarse por alguna (lo cual, me temo, tampoco es garantía de terminar acertando). Así que, y dado que por motivos evidentes no participo en la porra, me atrevo aquí a lanzar, fuera de concurso, mis particulares apuestas:

1. MEJOR PELÍCULA

Sin lugar a dudas, Slumdog millonaire (e), una auténtica sorpresa, la única película perfecta de un quinteto de una calidad media apabullante.

2. MEJOR DIRECTOR

En coherencia con lo anterior, Danny Boyle (e), por conseguir un espectáculo visual de primer orden sin los efectismos que lastraron alguna de sus obras anteriores.

3. MEJOR ACTOR

Aún no he podido ver El luchador, pero mi fe en lo que Aronofsky puede haber hecho con Mickey Rourke es infinita. Por ello, mi apuesta va por este hijo pródigo (e).

4. MEJOR ACTRIZ

Aunque me convence más en Revolutionary Road que en The Reader, el inmenso talento de Kate Winslet (e) hace que sea la más justa merecedora de la estatuilla. Que una de las mejores actrices de su generación aún no la tenga es una injusticia que ahora la Academia puede subsanar.

5. MEJOR ACTOR DE REPARTO

Porque regala una interpretación de las que permanecerá en la historia del cine, porque fue un inmenso actor al que le hurtaron una estatuilla más que merecida por su papel en Brokeback Mountain, y porque El caballero oscuro merecía más presencia en las nominaciones de las que finalmente ha tenido, mi opción está clara: Heath Ledger (d).

6. MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Chauvinismos aparte, y a falta también de ver a la también recuperada Marisa Tomei, la breve pero intensísima presencia de Viola Davis en La duda (c) es de las que encogen el corazón.

7. MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Voto casi a ciegas por La clase (b), una cinta que me entusiasma... y porque aún no hemos podido ver ninguna de las otras cuatro nominadas.

8. MEJOR BANDA SONORA

Por salirse de los estrechos márgenes del academicismo, por su fuerza, por su buen rollo... mi apuesta va para A. R. Rahman (d) y su estimulante música para Slumdog Millionaire.

9. MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Lo siento, pero ante esa obra maestra que es WALL-E (c), cualquier otra (y desde luego las dos que la acompañan en la terna nominada) palidece...

y 10. MEJOR DOCUMENTAL

Desde luego, lo último de Werner Herzog, Encuentros en el fin del mundo (b), porque Herzog se lo merece todo, y con este inolvidable recorrido por la fauna humana que habita la Antártida, mucho más.

Y vosotros, ¿por cuál optáis? Venga, animaos y, si aún no lo habéis hecho, concursad aquí. ¡Que hay premio!

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CIUDAD DE PIEDRAS Y HUMO

2009-02-08T12:00:00.013+01:00

El cómic ha ganado reconocimiento en los últimos tiempos, eso es evidente. Por fin se considera que se trata de un medio de expresión artística en el que caben todo tipo de creaciones, desde las comerciales sin ningún interés a las más ambiciosas. O sea, ni más ni menos que el resto (¿o es que todo lo que aparece en forma de libro es digno de ser recordado?). Y sin embargo, aún hay gente que levanta la ceja cuando les hablas de la complejidad y riqueza que pueden alcanzar muchas novelas gráficas, y que hay páginas capaces de tocar las fibras del alma ni más ni menos que una buena película, un buen texto, una buena pintura, etc...

A este respecto, Maus sirvió para dar un aldabonazo en la conciencia de mucha gente que, hasta ese momento, no había prestado la más mínima atención a todo aquello que se presentase enmarcado en una viñeta. O, a lo sumo, lo consideraba algo reservado a los niños, los más infantiles (independientemente de su edad) o los que se conforman con echarse una sonrisa al ver una tira o un chiste en el periódico del día.

Pues bien, la gran noticia es que por fin ha aparecido la segunda entrega de Berlín, la ambiciosa creación de Jason Lutes, dedicada a narrarnos nada más y nada menos que, con un par, la historia de la República de Weimar, retratatando un período interesantísimo en el que cualquier cosa parecía posible, desde la explosión de la mayor locura artística hasta el advenimiento de una de las más crueles y mortíferas tiranías de todos los tiempos (desgraciadamente, ya sabemos cuál de todas las posibilidades fue la que terminó aposentando sus reales en Centroeuropa).

Y lo prodigioso de Lutes es que lo consigue con un dibujo preciso de línea clara, lleno de belleza clásica, y a través de un tejido humano en el que se van entremezclando los hilos de decenas de personajes que representan todos los estamentos que se apiñaban en una ciudad que, junto a París, ostentaba en aquellos años la condición de ser una de las más excitantes del mundo. Desde la aristocracia a los socialistas revolucionarios, pasando por los judíos y los periodistas, los intelectuales, los músicos, los trabajadores, los mendigos, los policías, las prostitutas, los guardias de tráfico, los conductores del tranvía, las amas de casa, los comerciantes, los estudiantes, los ancianos, los niños, los soldados...

Una complejidad que explica en gran medida por qué hemos tenido que esperar varios años hasta que Lutes terminara el segundo volumen (Ciudad de humo), que se extiende desde la masacre del Primero de Mayo de 1929 hasta las elecciones de septiembre de 1930 que supusieron la irrupción masiva de los nazis, hasta entonces más que minoritarios, en el Reichstag. Previamente, el primer tomo (Ciudad de piedras) había arrancado en septiembre de 1928 con el encuentro de sus dos personajes principales, la estudiante de arte Marthe Müller y el periodista Kurt Severing, en un tren que se aproxima a Berlín, ciudad en la que nosotros también entramos junto a ellos, en una secuencia que inevitablemente recuerda a las primeras secuencias de Berlín, sinfonía de una ciudad.

Si todavía eres de los que tiene prevención sobre las historias contadas con dibujitos, dale una oportunidad a la obra magna de Jason Lutes. El único inconveniente es que entre cada una de las entregas, necesariamente, ha de pasar mucho tiempo; y todo, para que nos devoremos de una sentada cada nuevo volumen y que, para colmo, nos quedemos con ganas de más. Aunque, bien pensado, ése es el principal elogio que se puede hacer de una obra de arte...

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NUEVA EDICIÓN DEL ORIGINAL Y NUNCA VISTO CONCURSO (ESO SÍ, UNA VEZ MÁS CON PREMIO)

2009-02-01T12:00:00.004+01:00

Lo confieso: como aficionado al cine que soy, febrero es siempre un mes especial, porque vienen los Oscar, porque se nos amontonan muchas de las películas más interesantes de la temporada (este año de manera especial) y porque... sí, porque disfruto como un enano de algo tan prosaico como las quinielas y las porras. Y hora es de retomar la tradición instaurada hace un par de años en este blog, y declarar oficialmente abierta la de este año. ¿El premio? Un libro que tiene mucho que ver con la (buena) literatura y con el cine. Y con la posibilidad de llevarse un bonus: un DVD si, además, el ganador consigue el pleno y acierta quiénes se llevan el gato al agua (o sea, la estatuilla) en las diez categorías escogidas para esta edición.

¡Ánimo, que no cuesta nada y no compromete y a lo mejor os lleváis el regalillo así, sin despeinaros! No importa desde dónde accedáis a esta página, porque me comprometo a haceros llegar el premio allí donde estéis. Por favor, dejad vuestras respuestas en comentarios a este post, y recordar que el último día para votar será el sábado 21 de febrero, justo la víspera de la ceremonia (siempre según hora española). Para más dudas, podéis ver las bases de la convocatoria al final de este post, tras la relación de películas nominadas.

1. MEJOR PELÍCULA

1. a. El curioso caso de Benjamin Button
1. b. El desafío: Frost contra Nixon
1. c. Mi nombre es Harvey Milk
1. d. The Reader
1. e. Slumdog Millonaire

2. MEJOR DIRECTOR

2. a. David Fincher, por El curioso caso de Benjamin Button
2. b. Ron Howard, por El desafío: Frost contra Nixon
2. c. Gus Van Sant, por Mi nombre es Harvey Milk
2. d. Stephen Daldry, por The Reader
2. e. Danny Boyle, por Slumdog Millonaire

3. MEJOR ACTOR

3. a. Richard Jenkins, por The Visitor
3. b. Frank Langella, por El desafío: Frost contra Nixon
3. c. Sean Penn, por Mi nombre es Harvey Milk
3. d. Brad Pitt, por El curioso caso de Benjamin Button
3. e. Mickey Rourke, por El luchador

4. MEJOR ACTRIZ

4. a. Anne Hathaway, por La boda de Rachel
4. b. Angelina Jolie, por El intercambio
4. c. Melissa Leo, por Frozen River
4. d. Meryl Streep, por La duda
4. e. Kate Winslet, por The Reader

5. MEJOR ACTOR DE REPARTO

5. a. Josh Brolin, por Mi nombre es Harvey Milk
5. b. Robert Downey Jr., por Tropic Thunder
5. c. Philip Seymour Hoffman, por La duda
5. d. Heath Ledger, por El caballero oscuro
5. e. Michael Shannon, por Revolutionary Road

6. MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

6. a. Amy Adams, por La duda
6. b. Penélope Cruz, por Vicky Cristina Barcelona
6. c. Viola Davis, por La duda
6. d. Taraji P. Henson, por El curioso caso de Benjamin Button
6. e. Marisa Tomei, por El luchador

7. MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

7. a. The Baader Meinhof Complex
7. b. La clase
7. c. Departures
7. d. Revanche
7. e. Vals con Bashir

8. MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL

8. a. Alexandre Desplat, por El curioso caso de Benjamin Button
8. b. James Newton Howard, por Resistencia
8. c. Danny Elfman, por Mi nombre es Harvey Milk
8. d. A. R. Rahman, por Slumdog Millonaire
8. e. Thomas Newman, por WALL-E

9. MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

9. a. Bolt
9. b. Kung Fu Panda
9. c. WALL-E

10. MEJOR DOCUMENTAL

10. a. The Betrayal (Nerakhoon)
10. b. Encuentros en el fin del mundo
10. c. The Garden
10. d. Man on Wire
10. e. Trouble the Water

BASES DEL CONCURSO. Podrán participar todas las personas que lo deseen, independientemente de su lugar de residencia. La forma de concursar será dejando un comentario a este post en el que conste, de manera clara, cuáles son las opciones que el concursante considera ganadoras; si alguna de ellas es confusa, la apuesta se considerará nula. Sólo se admitirá una quiniela por persona. El premio consistirá en un libro escrito por alguien que, a su reconocido prestigio literario, une una profunda cinefilia; en caso de que, además, el ganador acertara las diez categorías (es decir, hiciera un pleno), recibiría como premio añadido un DVD, a elegir entre tres opciones, de películas que hayan merecido comentario en este blog, o cuya crítica en LaButaca.net haya sido enlazada. En caso de que dos o más concursantes hayan empatado en número de aciertos, se considerará ganador quien haya hecho antes su apuesta. El último día para concursar será el 21 de febrero, hora española. Para cualquier consuta, podéis escribir a diosesymonstruos.rosenrod@gmail.com. Las candidaturas con los títulos originales, aquí.

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MINUTOS MUSICALES (IX)

2009-01-26T20:56:00.014+01:00

SUPERVIVENCIA

El truco del manco es todo un alivio de cara a la próxima ceremonia de los Goya: por fin una película capaz de emocionar, de atraer, y que además conecta con los gustos de la gente que más frecuenta las salas (y que, en nuestro cine, suelen ser olvidados por los que se encargan de despachar cintas que inciden una y otra vez en los mismos temas que ya empiezan a saturar al respetable). Y esta historia de supervivencia, de superación, va acompañada de una estupenda banda sonora, firmada por Woulfrank Zannou, cuenta con un tema potente, interpretado por el protagonista y líder del grupo de hip hop La Excepción, Juan Manuel Montilla “Langui”. Disfrutadlo en este videoclip:

Juan Manuel Montilla “Langui” y Woulfrank Zannou, A tientas, de la BSO de El truco del manco (2008) (3’ 43”)

DESPARRAME EN ARIZONA

Arizona Baby fue el título que terminó de poner a los hermanos Coen en el mapa. La hilarante historia de una pareja imposibilitada de tener hijos y que decide “tomar prestado” un bebé a una familia “bendecida” con unos quintillizos bebía de los dibujos animados, los gags del cine mudo y un universo particular muy personal. Y claro, ¿cómo podía ser diferente su banda sonora? Carter Burwell nos regaló un divertido score donde, en un solo tema, son capaces de fusionarse los aromas country con el Himno de la Alegría. Con un par.

Carter Burwell, Raising Arizona Theme, de la BSO de “Arizona Baby” (1987) (3’ 13”)

Y SIGUE SONANDO EN TU MENTE

¿Alguien que haya visto la reciente La niebla ha podido olvidar el impactante final, uno de los más logrados, inesperados y contundentes del cine comercial norteamericano de los últimos tiempos? Y es inevitable asociarlo con esta música, esta tremenda elegía que nos deja abandonados a nuestros pensamientos, a nuestras sensaciones... Mark Isham arriesga con esa voz femenina y nos gana.

Mark Isham, The Host of Seraphim, de la BSO de La niebla (2008) (7’ 19”)

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VOLVER A SER EL ADOLESCENTE QUE DEVORABA A WELLS

2009-01-18T12:00:00.007+01:00

De vez en cuando, a uno le esperan sorpresas. Por ejemplo, descubrir que en España se puede escribir una estupenda novela de steampunk, como dicen los aficionados (o sea, una historia de ciencia ficción ambientada en un paralelo Londres victoriano); y es más, que esa novela pueda ganar un premio como el Ateneo de Sevilla, unas circunstancias en las que es más fácil ver recurrentes y plúmbeos relatos en primera persona de perfecto realismo (no olvidemos que el suelo de nuestro país, y vete tú a saber por qué, casi nunca ha sido fértil para la fantasía: hasta tal punto hemos seguido al pie de la letra el consejo de Don Quijote en su lecho de muerte). Pues sí, esas cosas ocurren. Mira tú, la primera alegría del año.

¿Quién es el perpetrador de tamaña hazaña? Un señor llamado Félix J. Palma que, si tenemos que juzgar por lo contado en su libro, tiene en su mitología particular las espléndidas fantasías de los escritores que dieron a la imprenta sus visiones enfebrecidas al calor de una ciencia que parecía avanzar a la velocidad de la luz hacia el progreso humano (sí, sí, ya sé que ya comenté eso hace unas semanas; tranquilos, que no me enrollaré de nuevo). Especialmente en las dos décadas finales del siglo XIX y en un Londres que encabezaba un Imperio que tiraba a golpe de martillo las últimas paredes que impedían ver los rincones de una Tierra cada vez menos desconocida. No hay que olvidar que en apenas tres años H. G. Wells publicó cuatro novelas fundamentales del fantástico, que en gran parte siguen teniendo la misma fuerza que el momento en que fueron escritas (algo que no sucede con Verne, la verdad): La máquina del tiempo, La isla del doctor Moreau, El hombre invisible y La guerra de los mundos.

Pues bien, Félix J. Palma se ha fijado en la primera para homenajearla. Pero entendámonos, homenajearla de verdad, no fusilarla, que es lo que se suele hacer últimamente cuando alguien dice querer rendir pleitesía a un clásico. Es como si Palma se convirtiera de nuevo en un adolescente en espíritu que creyera que gente como Sherlock Holmes existió de verdad (yo lo creí durante mucho tiempo, y al parecer todavía un porcentaje importante de gente sigue convencida de su existencia real) y plantea un juego: ¿qué pasaría si, un año después de que se hubiera publicado el libro de Wells (1895), una empresa comenzara a ofrecer verdaderos viajes en el tiempo en excursiones abiertas sólo para los más ricos, con parada en un año 2000 bastante curioso?

Pero no se me asusten: éste es tan sólo el punto de partida de una ficción en la que, en la mejor tradición folletinesca, se engarzan una serie de historias que van rizando el rizo sin perder nunca el rumbo ni la composición final. Como el mapa del tiempo que da título a la novela, los destinos y caminos de personajes tan reconocibles, e incluso entrañables, para tantos que hemos pasado horas inolvidables y casi irrecuperables conociendo las vidas y hechos de gente como el mismo Wells, Jack el Destripador (éste no es entrañable, claro... salvo que hagamos un juego de palabras de pésimo gusto con la palabra "entraña") o el Hombre Elefante (por citar sólo algunos, que no quiero estropearos las sorpresas ocultas entre sus páginas) cobran un inesperado vigor: respiran, se mueven y actúan novelescamente pero, salvo algún momento aislado, no hay cartón piedra que valga: son bien reales.

Divertida, aventurera, deliciosamente romántica al viejo estilo... El mapa del tiempo es un juego, una lectura gozosa y un verdadero recreo cuando la literatura, en demasiadas ocasiones, se empeña en ser seria y aburrida. Parece mentira, pero resulta que entre nosotros sí que existe alguien capaz de estar a la altura de Alan Moore y su La liga de los hombres extraordinarios. Y me ha emocionado leer en sus líneas el mismo cariño por la máquina inventada por el científico de Wells, y de la que me enamoré (si uno puede enamorarse de algo así) en la mítica película de George Pal; sí, ¿cuánto daríamos por sentarnos en ese viejo asiento, bajar la palanca y notar cómo gira el disco tras nosotros? Seguro que, cuando por fin se pueda viajar en el tiempo, todo será mucho más prosaico y el mapa del tiempo se llenará de turistas domingueros pero, hasta entonces, ¿qué hay de malo en soñar?

¿Cómo olvidar el encanto que tenía el primer viaje en la máquina del tiempo descrito por Wells, y qué tan bien representó Pal en El tiempo en sus manos? Son inolvidables, y es gracioso que también lo comente Palma, esos caracoles convertidos en émulos de Fernando Alonso...

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DE OPRAH A BOLAÑO, PASANDO POR McCARTHY: AL INFIERNO DESDE EL PRIME TIME

2009-01-11T12:00:00.011+01:00

El caso de Oprah Winfrey es de los que me dejan perplejo. Uno, como habitante de un país en el que no son pocos los que llegan a decir que Ana Rosa sería el equivalente en nuestra televisión de lo que aquélla representa para la norteamericana, no puede evitar quedarse totalmente desconcertado con las recomendaciones literarias que hace Oprah desde su programa (recomendaciones que, por cierto, convierten automáticamente a los libros mencionados en éxito seguro). Porque, sinceramente, no me imagino yo a la buena de AR pidiéndoles a sus espectadores (sí, sí, que no son todo mujeres las que la escuchan, ni mucho menos) que lean a un autor como Cormac McCarthy y su La carretera... Bueno, en realidad, no me la imagino hablando de ninguno de los libros de este autor, desde luego poco acordes con el tono amable y edulcorado del magazine que ella presenta... (aún recuerdo lo que me costó terminarme Meridiano de sangre, no por malo, sino por la extrema violencia de muchos de sus fragmentos).

Y hete aquí que la buena de Oprah ha abierto las puertas de los Yunáited a Roberto Bolaño y, más concretamente, a su obra magna, 2666. Y nuevamente lo ha convertido en un fenómeno editorial (que el escritor, desgraciadamente, no ha llegado a ver, pues falleció hace seis años). Y vuelve a tener mérito, porque la mirada de Bolaño en esa gran novela de novelas (casi 1.200 páginas nos contemplan) es todo menos amable. Es más, el ramillete de historias que se entrecruzan en Santa Teresa, trasunto de Ciudad Juárez, y en la que los asesinatos atroces de mujeres se suceden como el ruido de fondo de una autopista, llegan a hacer una foto indeleble del alma humana... y, como uno puede temerse, lo que aparece ahí no es que sea, precisamente, para dar palmas por lo que somos, nos guste o no.

Leí la última página de 2666 el día de Año Nuevo, en el tren que me traía de vuelva a Madrid. Y al cerrar el grueso volumen, me invadió una profunda melancolía, como si al terminar la última historia, la del escritor Archimboldi, quedara una vibración en el aire que inevitablemente te afecta. Antes había superado la parte de los crímenes, centenares de páginas en los que los hallazgos de los cuerpos de las mujeres se suceden en una letanía mientras algunos personajes intentan, sin éxito, tomar aire. Una parte casi asfixiante, pero en cierta manera resulta aún más desoladora la última, porque extrae la esencia del horror y nos lo vuelve reconocible, más cercano, más llano, más como lo que nos rodea en nuestros días. No hacen falta imágenes contundentes, macabras o sanguinolentas para darte cuenta de la tristeza que puede albergar el corazón humano. En realidad, suele ser todo mucho más sencillo... e inaprensible.

Y quizá lo más paradójico de todo es que Bolaño, que debía amar la literatura como la vida, y viceversa, en el fondo nos está diciendo que no hay ninguna salvación en los libros (y desde luego, para nada en lo que los académicos y los “expertos” terminan haciendo de ellos...). No, la literatura no nos aleja de nuestros demonios, pero nos permite al menos ponerles nombre. Yo, para siempre, tendré en mi memoria un sinónimo para lo que no queremos pero forma parte también de nosotros, nos guste o no. Para mí, será siempre 2666, y esa cifra contendrá la esencia de una verdadera obra maestra. De las que uno lee una por década, y eso si tiene suerte.

Amigos y familiares de Roberto Bolaño le recuerdan en este tráiler de Bolaño cercano, un documental sobre el escritor.

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EMPEZANDO EL AÑO CON BUEN ROLLITO (Y QUE NO FALTE)

2009-01-04T12:00:00.008+01:00

Bueno, pues ya está aquí, ya llegó, ya estamos metidos hasta las cachas en este 2009 de nuestras entretelas, el que nos lo va a poner como mínimo entretenido, si hacemos caso a las cosas tan tranquilizadoras que nos repiten una y otra vez desde los medios de comunicación. Desde luego, dan ganas de quedarse en la cama durante 365 días con sus noches y asomar la patita el 1 de enero del 2010, a ver si es verdad que para entonces lo peor ya ha pasado y vuelve a brillar el sol.

Pero como no me da la gana dejarme llevar por pensamientos tan positivos, he preferido elegir como primer post del año algo mucho más liviano, de buen rollito y sin ninguna trascendencia. Algo que, como mucho, aspira a dos minutos y pico de buenas vibraciones; y, tal y como están las cosas, eso me parece un lujo infinitamente mayor que el de comerse las dichosas angulas o pilotar un Ferrari de los de precio imposible.

Resulta que uno tiene un primo, uno entre tantos. Pero éste en concreto, además de vivir en Las Palmas y dedicarse a quehaceres bastante más serios, resulta que ha encontrado un hueco para juntarse con unos amigos y grabar una canción tontorrona que es, en cierta manera, una parodia de tantas canciones igualmente tontorronas pero que, por el contrario, pretenden hacernos pasar por verdaderas y valiosas. Y, no contentos con esto, resulta que también han grabado un vídeo que la acompaña, no menos tontorrón y parodiador de tantos otros clips de buen rollito. Y para rematar, resulta que, puesto que ya tenían la canción y el vídeo, se han presentado al casting de Eurovisión.

Sí, sí, ya sé que la que va a ir es la petarda de Soraya o cosa semejante, pero confieso que la liviandad y el buen rollo de estos chicos me ha ganado, y que conste que no es por el parentesco ni nada semejante. Dicen que tontunas así no nos ayudan, que en realidad nos distraen de lo que verdaderamente importa e impiden que nos dediquemos a cosas más serias. Pero, visto lo visto, me quedo mil veces con estas cosas sin importancia que la agenda de temas trascendentes que los de siempre dicen que deben preocuparnos...

Dicho todo esto, aquí tenéis el susodicho vídeo de la canción. Espero que os haga arrancar una sonrisa (suave, no se trata de carcajadas); de lo que estoy convencido es de que, eso sí, no os hará ningún daño verlo. Y si, ya puestos, hasta queréis votarlo y todo para Eurovisión, aquí podéis hacerlo. Y eso sí, tanto si lo veis como si pasáis de él, recibid mis deseos sinceros y verdaderos de un feliz año... y que la cosa no sea para tanto.

Made in un Ratito, Muy cerca

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MINUTOS MUSICALES (VIII)

2008-12-28T12:00:00.019+01:00

BUENA MÚSICA EN TIEMPOS DE CRISIS

No sé a vosotros, pero a mí pocas cosas me animan tanto como la buena música de las Big Band y los clubes de los años veinte o treinta, quizá porque solían ser un chorro de optimismo en medio de un mundo que se desmoronaba. Ahora que estamos a punto de poner el pie en un año cargado de incógnitas, quizá sea bueno dejarse llevar por uno de los temas de la banda sonora de Un gran día para ellas, en la que Paul Englishby ha sabido rememorar aquel sonido. Un buen ejemplo es el tema que se titula igual que la película, algo más tranquilo pero que, sin lugar a dudas, acaricia el espíritu.

Paul Englishby, Miss Pettigrew Lives for a Day, de la BSO de Un gran día para ellas (2008) (2' 14")

LA HISTORIA DE AMOR DEL AÑO

Claro que, si hablamos de buenas sensaciones de este año que termina, en muchas de ellas está este robot casi achatarrado, pero cargado de la suficiente convicción y capacidad de amar como para conquistar el corazón positrónico de un modelo ultradiseñado, megavanzado... y con su buena dosis de mala leche. La historia de amor entre WALL-E y EVA es, sin lugar a dudas, de las que permanecerán por siempre en nuestra memoria cinéfila. Y este momento en el que los dos parecen bailar a toda velocidad en medio del espacio, es realmente inolvidable.

Thomas Newman, Define Dancing, de la BSO de WALL-E (2008) (2' 23")

LO QUE GODZILLA LLEVARÍA EN SU IPOD

Ya el clarividente de J. J. Abrams lo vio claro (valga el tonto y redundante juego de palabras) cuando produjo Monstruoso, una de las cintas que más han hecho discutir a los cinéfilos en el año que ahora se acaba. Una película sin banda sonora propia (o diagética, como dicen los cultos), pero que en los títulos de crédito finales guardaba una pequeña sorpresa: una larga suite con la que Michael Giacchino homenajeaba el espíritu de las monster movies tan caras a todos los aficionados al fantástico. Un estupendo y grandilocuente espectáculo sonoro, con esos coros, esa percusión y esos vientos que podrían acompañar el destructor caminar del mismísimo Godzilla...

Michael Giacchino, Roar! (Cloverfield Overture), de la BSO de Monstruoso (2008) (9' 43")

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Y hablando de cine...

El cant dels ocells: Entre la cabezada y la maravilla

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¿POR QUÉ NOS GUSTA TANTO SHERLOCK HOLMES?

2008-12-21T12:00:00.016+01:00

Con mucho retraso, pago con este post una deuda pendiente con mi buena amiga Lieschen. Hace algún tiempo, en su blog Kaffekantate (que os recomiendo encarecidamente, y no sólo por afecto), dedicó una entrada a un libro pequeño pero deslumbrante, La solución final, de Michael Chabon. Una de esas obras que engrosan el pequeño sub-subgénero dedicado a continuar las aventuras de Sherlock Holmes allí donde las dejó su creador, Sir Arthur Conan Doyle. Claro que, además, en el caso de Chabon ese personaje se insertaba en una realidad tan en apariencia ajena a él como la Segunda Guerra Mundial y los ecos del Holocausto, en los que sus habilidades como detective, que le han convertido en un venerable y casi olvidado famoso nonagenario, se muestran impotentes para penetrar un mundo en donde el Horror, así con mayúsculas, campa por sus respetos.

No voy a repetir aquí (¡no estoy tan loco como para osarlo!) el espléndido acercamiento que hace Lieschen en su breve texto al libro de Chabon. De hecho, en realidad quería utilizarlo como mera excusa para mencionar una tendencia que, en los últimos tiempos, parece enseñar la patita, y no sólo en el ámbito literario: Sherlock Holmes vuelve a interesar, y mucho. ¿Ejemplos? No faltan, y entre ellos destacan la mencionada nueva vida que le insufla Chabon, emblema de toda una nueva generación de dotados autores que continúan, actualizan y expanden los universos arados por autores como Conan Doyle o Wells, o la espléndida novela de Julian Barnes, Arthur & George, apasionante retrato de dos personajes, uno de ellos el padre del detective, al que llega a imitar en un caso real para demostrar la inocencia de un joven de origen parsi absurda e injustamente condenado por unos crímenes de los que él era inocente, en lo que fue una especie de caso Dreyfuss británico.

Si a esto unimos que hay varias películas en marcha (la más sonada quizá sea la que firma el ex de Madonna, Guy Ritchie, con Robert Downey Jr. en la piel del morfinómano detective), habría que preguntarse: ¿por qué nos sigue interesando Holmes, cuando otros personajes de idéntico éxito han caído en el baúl del olvido o las estanterías de los especialistas? Porque, no lo olvidemos, fue fruto de una época, la del esplendor del Imperio Británico, en la que aún se tenía una fe ciega en el Progreso (así, con mayestática capitular); y si ese Progreso existía era por la potencia de una mente humana capaz de enfrentar cualquier desafío. Así, la figura de un detective con un método deductivo ante el que cualquier enigma se rendía, no sólo tenía garantizado el éxito, sino también el convertirse en algo mucho mayor, en todo un símbolo del mundo ansiado y por venir.

Lo curioso es que en nuestros días, cuando la confianza en el progreso (al que hemos quitado, incluso, la mayúscula) está bajo mínimos, y se extiende la creencia de que el esfuerzo racional ha traído más desgracias que otra cosa (no se puede decir que el crédito de la Humanidad como especie y como entidad cotice demasiado últimamente), vuelva a resurgir ese icono. Claro que lo hace con diferentes ropajes: ¿o no es Grissom, el carismático protagonista de C. S. I. Las Vegas, un Holmes adaptado a los nuevos tiempos? ¿No lo es el mismísimo doctor House? La diferencia estribaría en que tanto uno como otro, en realidad, necesitan de prótesis tecnológicas, de apoyos en los que proyectar su indudable inteligencia que, por sí misma, sería insuficiente para desentrañar el misterio. De hecho, quizá sea esa única y pequeña lección de humildad (la convicción de que, por sí solo, el ser humano está lejos de poder derrotar las fuerzas oscuras de la ignorancia) la que ha venido a sumarse al viejo icono. Por lo demás, sigue igual de fascinante. Y que dure.

Hasta los Teleñecos han contribuido a mantener vivo el mito de Sherlock Holmes. Aquí, en este divertido sketch, enfrentan al detective y su inseparable Watson con un caso imposible (está en inglés, pero no resulta nada difícil saber por qué van desapareciendo las pruebas del crimen)

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¡VIVA LA ADOLESCENCIA!

2008-12-14T12:00:00.017+01:00

Era previsible: el éxito de los libros y la película de la saga que Stephenie Meyer inició con Crepúsculo ha tenido su correspondiente respuesta por parte de muchos críticos. Pero no me voy a referir aquí a la película (si queréis leer mi crítica, podéis encontrarla al final de este post), sino a algo que me enerva especialmente: la displicencia, por no decir otra cosa, con la que muchos despachan todo lo que tiene éxito entre los adolescentes, que automáticamente es tildado como de nula calidad (literaria o cinematográfica, tanto da), transmisor de valores perniciosos (¡qué originalidad la de las sucesivas generaciones de adultos!), y mera excusa para promover un consumismo desaforado (¡ja! ¿De verdad estamos los talluditos para dar ejemplo de lo contrario?).

Y si me enerva es porque me parecen comentarios injustos, que niegan desde un principio cualquier capacidad de decisión o criterio entre los chavales. Y sin embargo, nadie puede negar que se trata de un colectivo que tiene sus propias vías de comunicación, que en muchas ocasiones, y en contra de lo que se suele creer, transita de manera paralela a las corrientes marcadas por la publicidad y el marketing. No olvidaré hace algún tiempo cuando, en la Feria del Libro de Madrid, los que allí estábamos quedamos impresionados por la larguísima cola de firmas que tenía una, para mí, desconocida Laura Gallego, una cola que dejaba pequeñas las de otros nombres, por supuesto más bendecidos por el establishment y con todo el apoyo mediático. Así fue como llegué a enterarme de que había una cosa que se llamaba Memorias de Idhún, algo que, por ejemplo, mi sobrina ya había conocido (y puntualmente devorado) por su propio lado.

Por supuesto, tampoco voy a caer en el extremo de decir que todos estos libros son lo más; nada más lejos de ello. Pero, antes que nada, respeto profundamente el criterio de chicos que son capaces (he sido testigo de ello) de tragarse los cuatro libros de Stephenie Meyer (o sea, unas dos mil cuatrocientas páginas) ¡en tres semanas! La verdad es que no está mal para esta generación que, decimos, está echándose a perder con las videoconsolas, la falta de autoridad y control paternal y su falta de valores. Lo que quizá no terminemos de entender los adultos es que, al fin y al cabo, en esas páginas encuentran compañía (respuestas no lo tengo tan claro), palabras de unos autores que saben lo que les interesa, que de verdad son capaces de ponerse en su lugar en una edad que (¿es que tan pronto lo hemos olvidado?) está llena de miedos, inseguridades, anhelos, angustias y una capacidad de ilusión como nunca después volvemos a tener.

Y quizá los adultos deberíamos dejar de ser esos cascarrabias que siempre están diciendo que lo que había cuando éramos adolescentes era mucho mejor. ¿Lo era? Sinceramente, recuerdo haber leído cosas que me apasionaban y que no eran, desde luego, La historia interminable. Y, como yo no doy por desperdiciado ni un solo segundo pasado con un libro en las manos (sea cual sea), ante una película (por muy horrible que luego, con el tiempo, descubriera que era) o un disco, también me digo que ellos tienen su propio mundo. Un mundo del que, no sé por qué, parecemos empeñados en expulsarles antes de tiempo ¿Para qué? ¡Como si lo que viene después fuese mucho más apasionante!

Para los escepticos: aquí tenéis una cola de firmas de Laura Gallego, en este caso en Málaga.

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UN INSTRUMENTO DE CIENCIA FICCIÓN

2008-12-07T12:00:00.028+01:00

Hace un par de semanas estuve en la Muestra de Cine Europeo Ciudad de Segovia. Un encuentro por el que, la verdad, debería pasarse tanto agorero que dice que el cine que se hace en nuestro continente no interesa a nadie. No será así, pero lo cierto es que sólo produce satisfacción ver las colas de gente interesadas en asistir a los pases de títulos aún no estrenados en nuestro país (y de los que muchos, me temo, quedarán definitivamente inéditos en nuestras pantallas), incluso de lugares tan exóticos (para nosotros) como Islandia.

Pero si traigo a colación aquí el certamen no es tanto por las películas vistas, sino por una experiencia personal que me encantó. Y ésta no fue otra que la posibilidad de ver, por primera vez, ese mítico instrumento llamado teremín, del que tanto había oído hablar, había visto vídeos... pero que nunca había tenido posibilidad de disfrutar en carne mortal. Fue en el concierto dominical de música de cine que ofrecieron Luis Delgado y Cuco Pérez con Diego Galaz, y el primero de ellos fue el que lo tocó en uno de los temas. Antes, claro, nos contó su historia, cómo fue inventado por Lev Sergueievich Termen (más tarde afrancesó su nombre, y pasó a llamarse León Théremin) a partir de su desarrollo de un sistema de vigilancia electrónica del perímetro del Kremlin... en la década de 1920. Aplicó lo descubierto para construir un aparato que detectaba cualquier cuerpo que se aproximase a él, y lo adaptó para la creación del único instrumento que no necesita ser tocado físicamente para que funcione. Así, no es extraño que ante su ejecución uno se sienta casi casi como si le hicieran magia. Y si no, echadle un vistazo a este vídeo:

¿A que tiene algo inquietante, a pesar de que el tema en principio debería ser romántico? Así, no es de extrañar que, cuando Termen se pasó al bloque occidental y se instaló en Estados Unidos, fuese requerido para muchas bandas sonoras, especialmente para películas de terror y fantásticas. Quizá uno de los ejemplos más conocidos (y que fue precisamente el tema en el que Luis Delgado lo tocó) sea el de la versión original de Ultimatum a la Tierra, para cuyo tema principal el genial Bernard Herrmann supo explotar todo el potencial del curioso instrumento.

Os puedo asegurar que si hubo una parte del público que disfrutó especialmente de la demostración fueron los niños. Y no es extraño, porque es un instrumento que tiene algo de juguete o invento de científico loco. Y, según nos comentó su propietario, resulta bastante difícil de tocar: la mano izquierda regula, según su cercanía a la especie de barra metálica curvada que tiene en un lado, el volumen, y es la derecha, según la posición que ocupe en el espacio y su proximidad a la antena que le sale de un lado, la que dice qué nota, y en qué registro, debe tocarse en cada momento. Así, sin una tecla concreta, sin una cuerda que rasgar, el margen para el error no es pequeño, y un buen intérprete de teremín debe tener, a la vez, una visión y memoria espacial fuera de lugar.

Tal vez sea ése el motivo por el que los gatos son incapaces de tocarlo; pero hay que reconocer que éste, al menos, lo intenta en un miniteremín. Y no estoy seguro de que, en caso de hacerlo yo, el resultado fuera mucho mejor:

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MINUTOS MUSICALES (VII)

2008-11-30T12:00:00.004+01:00

UN FALSO RAYO DE LUZ

Ha llovido ya mucho desde que John Boorman firmara esa joya que es Deliverance, pero aún sigue teniendo una fuerza que ya quisieran muchas de las películas que, una y otra vez, retoman el argumento de los hombres urbanitas y aparentemente civilizados que se ven enfrentados a una naturaleza y una población hostil que no les quiere. Con una dureza sorprendente por la fecha en la que fue concebida, sin embargo el momento más recordado sigue siendo este único y fulgurante rayo de luz, la única escena con música, el duelo de banjos entre uno de los excursionistas y un chico minusválido psíquico que nos hace creer que puede haber algún punto de contacto entre dos grupos que pronto comenzarán a matarse. Aunque, bien mirado, la escena no está exenta de algo inquietante que augura lo que va a ocurrir después...

Eric Weissberg y Steve Mandell, Dueling Banjos, de la BSO de Deliverance (Defensa) (1972) (3' 23")

PAZ EN MEDIO DE LA MATANZA

Aunque son los cantos melanesios los que todo el mundo recuerda de la banda sonora de La delgada línea roja, estos días he vuelto a escuchar una partitura que, sin lugar a dudas, se encuentra entre lo mejor de Hans Zimmer, un compositor que, en demasiadas ocasiones, se deja llevar por un efectismo facilón que desdice de su verdadera estatura. Pero los cortes de este score para la cinta de Terrence Malick son un regalo para el oído, largas piezas que no son música para oír y tirar, sino auténticos viajes con una enorme capacidad de transmitir emociones, algo tan extraño como el tipo de película bélica que las incluye. Y entre todos, uno de mis preferidos es éste, en el que se diría que nuestra alma sigue el mismo camino de elevación que la melodía, antes de que nos deje en un remanso más tranquilo...

Hans Zimmer, Journey to the Line, de la BSO de La delgada línea roja (1998) (9' 21")

¡BAILEMOS (AUNQUE VENGA LA NAVIDAD)!

¿Os deprime tanto la Navidad como a mí? Pues habrá que ponerle remedio, y uno de los mejores es el de rodearnos de buena música que nos sacuda la nostalgia, los malos recuerdos, la sensación de falta de luz, de frío y soledad impuesta que tanta alegría y felicidad impostada y por decreto trae ya por las calles iluminadas. Y desde luego, si hay una pieza optimista, llena de alegría por la vida y de celebración, es este largo tema, que sintetiza varios de los cortes que Michael Giacchino, que va camino de revalidarse como genio, compuso para, a su vez, esa joya que es Ratatouille. Escuchadlo, y si os da ganas de bailar, no lo dudéis: seguid a vuestros pies.

Michael Giacchino, End Creditouilles, de la BSO de Ratatouille (2007) (9' 16")

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EL CUENTO DE ALEXANDRIA

2008-11-23T12:00:00.007+01:00

Antes de empezar a leer este post, por favor, dadle al play y ved este vídeo.

Lo malo de ver tanto cine es que empieza a ser difícil que te encuentres con algo que verdaderamente te arrebate. Uno tiene la sensación de que hubo una época feliz en la que descubría casi una joya cada semana, porque era tanto lo que había por explorar, y tan poco lo conocido, que el nivel de exigencia era mínimo. Pero en esto, como en todo, la excelencia termina reñida con la cantidad: cuando los títulos que has visto se pueden contar por decenas, por centenares, por miles... ¿cómo evitar que un hartazgo que te congele el gusto te invada?

Afortunadamente, aunque cada vez más raras, sigue habiendo esas películas que se destapan como una caja de sorpresas y te dejan clavado al asiento. Por este blog han ido pasando ya algunas de ellas, pero lo difícil es ampliar la nómina. Pues bien, puedo decir que una película que ha llegado a nuestras carteleras (de manera casi subrepticia, eso sí, no en vano fue galardonada como la Mejor Película del Festival de Sitges... del año pasado) me ha devuelto esa sensación. Y cuando la paladeas de nuevo, comprendes cuántas semanas has pasado viendo simulacros de cine, productos acartonados que si tienes el buen día das por buenos sólo porque no quieres sentir que has perdido el tiempo; y si lo tienes malo, directamente juras y perjuras que no volverán a engañarte.

The fall: El sueño de Alexandria es una película excesiva, un auténtico delirio visual en el que confluyen mil y una estéticas que llenan cada uno de sus planos, pero que parten de una historia mínima, si me apuráis escasamente original, pero que le da sentido: estamos en la década de los 20, y una niña rumana (una simplemente prodigiosa Catinca Untaru) pasa los días en un hospital mientras se le cura un brazo que se ha roto cogiendo naranjas con su familia inmigrante que ha llegado a California después de que su padre fuera asesinado en un brote xenófobo. Allí conocerá a un especialista del cine mudo, convaleciente tras un grave accidente al intentar saltar con un caballo desde un puente durante un rodaje, y que además encierra una herida mucho más profunda, un desengaño sentimental que le ha sorbido las ganas de vivir.

Entre estos dos personajes rebosantes de imaginación se entablará una relación marcada por un cuento que irán desgranando a cuatro manos, a dos cabezas, a dos imaginaciones. Pero mientras la niña se deja llevar por el vuelo libre de construir una historia en la que se confunden estéticas, personajes y lugares lejanos y que no tienen nada que ver unos con otros, el adulto especialista sigue un plan determinado para enganchar a la niña y conseguir que le traiga a la cama las pastillas que le permitirán suicidarse y poner término a su vida fracasada y sin esperanza.

Sobre ese eje, el director indio Tarsem (cuyo nombre completo es Tarsem Singh Dhandwar) va mostrando en imágenes el imposible relato, para cuya filmación fue necesario viajar a veinte países de todo el mundo, cuyas maravillas se solapan en un abigarrado espectáculo alejado de toda realidad, y cuyos personajes se visten con unos delirantes y hermosísimos ropajes creados por Eiko Ishioka, la ganadora de un Oscar al Mejor Vestuario por Drácula de Bram Stoker. Con estos elementos, Tarsem nos regala una experiencia única, en la que se encierran incluso dolorosas reflexiones sobre las limitaciones de la fantasía como salvavidas para quien en realidad no quiera salvarse, y que sorprende por la inventiva, el humor y la alternancia entre excesos y equilibrios de que es capaz un director que ha mamado de dos estéticas tan opuestas como la india y la de Hollywood.

Pero no podía ser de otro modo, porque la película se inicia con una secuencia de títulos de crédito que a continuación os acompaño, un prodigio de belleza, equilibrio y elegancia, hasta el punto de que no parecen planos, sino diseños certeros en los que cada elemento cumple su función en este, en el fondo, maravilloso canto de amor al cine...

Y hablando de cine...

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HISTORIA DE UNA CABECERA

2008-11-16T12:00:00.002+01:00

Los que tenéis la paciencia suficiente para pasaros por aquí de vez en cuando habréis notado el cambio de diseño que ha experimentado el blog. No es desde luego el primero, pero para mí es especial porque por fin he podido darle un toque que llevaba acariciando desde que lo abrí, hace más de dos años: el añadir una ilustración en la cabecera que sirviera para darle un toque de personalidad, máxime cuando quien esto firma pertenece a la legión de analfabetos informáticos que ha de conformarse con las plantillas predeterminadas que ofrece Blogger, porque aspirar a crear una propia y original entra directamente en el terreno de las tareas hercúleas.

Pero no ha sido hasta hace unas semanas, coincidiendo casi con la reanudación de las colaboraciones en el blog, cuando finalmente me he puesto a ello en serio. Y antes de decidirme por qué ilustración quería que figurara, sí que tuve claro desde el principio quién me gustaría que la hiciese. Sigo La espiral roja, el blog de Lucinda, casi desde que empecé en esto de la blogosfera, y desde el primer momento me llamó la atención su curiosidad y su talento a la hora de hacer sus ilustraciones. Os recomiendo de verdad que os deis un paseo por su página, y estoy convencido de que os encontraréis con piezas que os encantarán. Además, hay algo en su actitud fresca y desmitificadora (lo que no quiere decir que no mantenga su propio Olimpo de particulares dioses), pero en la que a la vez aparece lo poético, que me gusta mucho para el toque que quería darle a Dioses y Monstruos. Evidentemente, nuestros mundos e intereses son diferentes, pero creo que tenemos los suficientes puntos en contacto que podían ayudar a que interpretara a la perfección, y enriqueciera, lo que yo quería.

Me llevé una enorme alegría cuando aceptó el encargo. Y lo primero fue elegir qué foto tendría que servir de modelo para la ilustración. Le hice llegar varias propuestas, pero finalmente los dos coincidimso en nuestra preferida: un fotograma de la bellísima película Todo está iluminado, en el que el personaje de Elijah Wood contempla su particular colección de objetos con los que pretende atrapar el recuerdo de su familia y seres queridos. Y es que esa imagen tiene tanta fuerza porque, en cierta forma, puede considerarse una metáfora de lo que es un blog: cada post sería como ese recorte, esa dentadura, ese bolígrafo o ese condón usado que el protagonista de la película guarda escrupulosamente en una bolsita de plástico antes de clasificarla. Es decir, una muestra de un conjunto más grande, un tímido intento (supongo que condenado al fracaso desde el primer momento, pero no por ello menos ilusionante) por clasificar y dar un cierto orden al muchas veces confuso mapa de nuestros intereses.

A partir de ahí, y durante un tiempo, pude ver cómo iba avanzando el trabajo, y me arrebató desde el principio, sobre todo por el contraste entre el bolígrafo y la acuarela (dentro de lo que puede valer la opinión de alguien no especialmente dotado para valorar el arte, todo hay que decirlo). Creo que le da una textura muy cálida, que además queda reforzada por el fondo que tiene esta plantilla. Con todo ello, sinceramente, creo que queda una entrada tremendamente elegante, sugerente, y que en cierta forma ejemplifica lo que pretende ser este blog. Claro que otra cosa es que lo que debajo de ella sigue tenga ese nivel, pero ése es otro cantar, y en todo caso achacable única y exclusivamente a mí. Pero no es mala cosa contar en el pórtico con una muestra de talento; no es mal tejado en el que guarecerse.

La escena de la película en la que Jonathan Safran Foer (Elijah Wood) muestra su particular colección.

LA ÚLTIMA MARAVILLA

2008-11-09T12:00:00.010+01:00

La noticia de la (sorprendente, al menos para mí) muerte de Michael Crichton me ha traído a la memoria algún que otro recuerdo personal y cinéfilo que guarda relación con el autor de La amenaza de Andrómeda. Ya sé que ningún catedrático de literatura ni ningún sesudo crítico guardará luto por él, pero lo que no se puede negar es que tenía un tremendo olfato para descubrir por dónde se movían los temas que más podían inquietar a sus millonarios (en cantidad, que para millonario en capital, él) lectores, por más que en alguna ocasión se dejaba llevar directamente por los planteamientos provocadoramente simplones (Sol naciente).

De todo lo publicado estos días, me han llamado la atención algunos artículos que venían a decir que lo que proponía en sus libros, de una manera alejada a lo que hacía, por ejemplo, un Arthur C. Clarke, era totalmente imposible. Y es más, que su formación como médico y científico le hacía estar perfectamente enterado de que era así; y en cuanto a los ejemplos señeros, ¿cuál destacaba? Evidentemente, el que va a quedar como referencia ineludible de la historia del cine de entretenimiento: la posibilidad de que pudiera resucitarse a los dinosaurios a partir del ADN encerrado en la sangre chupada por mosquitos prehistóricos conservados en ámbar (nunca se podrá hacer eso, nos informaban los críticos de Crichton, por la sencilla razón de que ese material genético está corrupto por el paso de millones de años). O sea, que todo el material de partida de su inolvidable saga de Jurassic Park era falso; ergo, su fantasía era poco seria. O sea, que Clarke F. C., 1-U. D. Crichton, 0. O lo que es lo mismo, que el primero era un escritor con todas las letras, el otro un vendedor de supercherías.

La verdad es que es un razonamiento que no entiendo. Si lo aplicáramos estrictamente, entonces el Frankenstein de Mary W. Shelley habría perdido cualquier interés en el momento en que quedó meridianamente claro que la electricidad, venga de un rayo o de donde sea, es totalmente incapaz de devolver la vida a un cuerpo muerto (más bien suele funcionar al contrario). Y la centenaria permanencia en el imaginario colectivo de los mundos prehistóricos creados por Julio Verne (Viaje al centro de la Tierra) y Arthur Conan Doyle (El mundo perdido) poco menos que un error, pues si la base científica de Crichton es falsa, ¿qué habría de decir de unos textos que plantean que nuestro planeta está hueco (el primero), o la permanencia de los dinosaurios en una tierra exótica en la que habrían escapado a su extinción (el segundo)?

Parece que hay gente que sigue pensando que el término “metáfora” está reservado únicamente para la alta literatura. Porque, si no fuera así y se permitiera su uso por la plebe de los libros de gran consumo (nótese cómo, siguiendo esos dictados, he omitido la repetición de la sacrosanta palabra “literatura” para no contaminarla), quizá no habría más remedio que convenir en que Jurassic Park es una de las metáforas más acertadas de en lo que se ha convertido nuestra sociedad, recorrida por la necesidad de sufrir huecas sacudidas adrenalíticas que conviertan nuestro ocio en algo de consumo inmediato en lo que no exista nada sagrado ni que lleve a la reflexión, ni siquiera el enfrentarnos con unas criaturas que nos ponen en su sitio porque nos vienen a decir que, para la naturaleza, somos tan prescindibles como lo fueron ellas. Malas noticias para el Rey de la Creación, aka diseño inteligente.

La versión cinematográfica de Steven Spielberg leyó a la perfección ese subtexto que recorre una de las obras maestras que ha dado el cine de entretenimiento, por más que los críticos, tan miopes como es habitual (me aplico el cuento) la pusieran en su momento a caldo (no deja de ser curioso que ahora, cada vez que la reponen en la televisión, la calificación raramente baje de las tres estrellas). Y así llegamos a lo que debería haber sido el recuerdo cinéfilo y personal que arrancó este post, y que al final se ha retardado hasta este momento: si recuerdo esta película (que vi el día de su estreno) con especial cariño, es porque creo que fue la última vez que asistí boquiabierto como un niño ante la maravilla de ver aquellos dinosaurios, durante unos pocos minutos, verdaderamente vivos. Desde entonces, creo que todos nos hemos hastiado de virguerías digitales y de que lo imposible se muestre ante nuestros ojos; y así, desde aquel ya lejano 1993 he tenido ocasión de admirar la belleza de un plano o una secuencia, de degustar detalles exquisitos o celebrar excesos con gracia. Pero esa ilusión infantil nadie me la ha ocasionado como la primera vez que los protagonistas descubren la llanura poblada de criaturas de cuento. ¿Cómo no va uno a perdonárselo todo a Spielberg y, por extensión, a Crichton?

Aunque desde luego no llega a los niveles de cinefilia de sagas como Star Wars o El señor de los anillos, Jurassic Park tiene su correspondiente legión de fieles, capaces de homenajear, sobre todo, las memorables escenas de la primera entrega. Como esta nueva versión del inolvidable ataque del tiranosaurio, recreada con figuras de Lego y con un final ligeramente diferente al que vimos en la pantalla...

NADIE ME LO ADVIRTIÓ

2008-11-02T12:00:00.038+01:00

Hay una vocación en mí anterior a cualquier otra: la de escribir. O mejor dicho, la de narrar. Recuerdo que gran parte de mis juegos cuando era niño consistía en inventar historias a partir de las series que veíamos por entonces. En sexto, séptimo u octavo de EGB, me inventaba pequeños sketches teatrales (bueno, tal vez ése sería un término quizá excesivo para lo que realmente eran), y pedía permiso a los profesores para que nos dejaran, a mí y a mis amigos, representarlos. Pero sobre todo, recuerdo que empecé a escribir a máquina muy pronto, en una vieja Olivetti Studio 45 azul que hacía que temblase toda la mesa cada vez que le daba a una tecla, pero que me sirvió para parir relatos, novelas (por la extensión más que otra cosa, porque rubor me daría volver a leerlas), incluso una revista que tecleaba doblando los folios y consiguiendo, así, cuatro páginas por cada uno de ellos (y lo más increíble: tras conseguir liar a una prima mía que trabajaba en una tienda de fotocopias para que me las copiase, ¡lograba venderlas!).

Y lo más curioso es que esas tardes y días pasados delante de la máquina de escribir son, quizá, los momentos que recuerdo sentir la intensidad de estar creando algo. Poco importa que, en realidad, no hiciera más que remedar las historias de los libros que por entonces me leía, mayoritariamente de ciencia-ficción... aunque incluso me atreví con un serial sobre la guerra de las Malvinas: al llegar a casa por la tarde, después del colegio, escuchaba las noticias de lo que había sucedido, y con eso escribía un folio que leía a mis compañeros del autobús escolar cada día. No recuerdo nada, más allá de que me inventé a dos soldados argentinos que iban a luchar, ¡yo que no tenía ni idea de cómo era la gente de Argentina! Sólo sé que tenía, por entonces, 11 años, y que no recuerdo cómo terminaba la historia... (aunque, dada mi temprana tendencia hacia el tremendismo, estoy convencido de que nada bien para mis pobres protagonistas).

Luego pasaron los años, y ese entusiasmo inicial se fue diluyendo, o encontrando otros destinos. Muy tarde, apareció el cine, y desde entonces prácticamente lo que he escrito versa sobre él. He pasado a escribir sobre las historias que otros imaginan, y no sé muy bien si eso es un paso adelante o un paso atrás. De vez en cuando surgen esfuerzos que no salen del cajón, porque he ido perdiendo confianza en mi capacidad para trazar falsas historias verdaderas (o verdaderas falsas historias); o quizá es que, simplemente, la edad me ha ido haciendo más escéptico, o que tal vez me he dado cuenta de que, en demasiadas ocasiones, la realidad supera a la ficción. O que ya apenas lloro ante una página de un libro, mientras permanezco con la capacidad intacta de emocionarme ante lo que veo en una pantalla... No lo sé; mentiría si dijera que he dedicado mucho tiempo a buscar una respuesta. Una vez le leí a alguien, no recuerdo bien a quién, que si puedes vivir sin escribir es que no eres un verdadero escritor... Quizá sea así: me conformo con vivir. Pero no descarto que, algún día, vuelva a recorrerme la emoción que llegué a sentir cuando fui capaz de dar vida a algo que, en realidad, nunca había ocurrido...

Pero al menos me queda la pequeña satisfacción de haber escrito algo que merece la pena: un relato corto, Nadie nos advirtió, que mi admirado editor Constantino Bértolo consideró lo suficientemente bueno como para merecer figurar en la antología Trece por docena, que apareció en su editorial Caballo de Troya hace tres años, un volumen que agrupaba a un puñado de jóvenes escritores en todas las lenguas del Estado. Un relato que escribí casi de una sentada (bueno, mejor dicho, de dos), en una circunstancia muy especial, y que apenas retoqué después... Una historia que, además, viene que ni pintada en este fin de semana dedicado a los muertos. Si os apetece, os animo a leerlo aquí; no exagero si digo que si, al final, esto es lo único que termina viendo la luz en forma de libro, no podré decir que mi tiempo haya sido un desperdicio total... (o al menos, dejadme que lo sienta así) Espero que os guste. Y gracias adelantadas por vuestra paciencia.

Descargar Nadie nos advirtió (PDF)

P. S.: Acabo de enterarme que van a incluir mi relato en una antología que Renfe va a grabar para los canales de audio de sus trenes... ¡No sabéis la ilusión que me hace!

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MINUTOS MUSICALES (VI)

2008-10-26T12:00:00.017+01:00

ASTURIAS NUNCA DIO TANTO MIEDO

Que el español Javier Navarrete es uno de los valores a tener en cuenta, sobre todo tras su nominación al Oscar por la banda sonora de El laberinto del fauno, es un secreto a voces. Y si algo no se puede negar es que es osado y atrevido: no hay más que echarle un oído al tema principal que utiliza en su score para Reflejos, la última entrega del más que interesante Alexandre Aja. Porque, ¿cómo puede calificarse si no su decisión de utilizar la archiconocida pieza Asturias, de Isaac Albéniz, como eje central de la partitura de, no lo olvidemos, una película de terror? Y sin embargo, el resultado funciona, y resulta todo lo ominoso e inquietante que cabría esperar. Juzgadlo vosotros mismos:

Javier Navarrete, Asturias-Main Titles, de la BSO de Reflejos (2008) (1' 49")

CARTER BURWELL SE DISFRAZA DE PHILIP GLASS

Desde luego, si existen unos chicos de costumbres, ésos son los hermanos Coen, Ethan y Joel, Joel y Ethan (podéis escoger el orden que prefiráis, porque creo que nadie tiene muy claro dónde termina uno y dónde empieza otro... en lo artístico, claro). Y desde luego, no iban a cambiar la tradición en su nueva entrega, Quemar después de leer: pueden haber cambiado de director de fotografía, pasado a hacer obras de encargo... pero si hace falta una composición original para su película, ahí está su viejo amigo Carter Burwell, que no les falla... aunque a uno le queda la duda de si en realidad no será un pseudónimo de Philip Glass para hacer trabajillos extra porque, sinceramente, si me dicen que este tema lo había compuesto el de Las horas, me lo habría creído a pies juntillas. ¡Crédulo que es uno! Menos mal que el final de la pieza sí que es típicamente burwelliano...

Carter Burwell, Higher Patriotism, de la BSO de Quemar después de leer (2008) (1' 36")

CLINT SE PONE TRISTE

¡Anda que no me ha dado quebraderos de cabeza esta película! Salí tan entusiasmado, tan triste, tan emocionado, que no pude evitar recomendársela a todo el mundo. Y a punto he estado de quedarme sin chica, sin amigos... sin nada de nada, porque el comentario general fue: "¡menudo tostón!" En fin, ¿quién dijo que fuera fácil lo de recomendar películas? Eso sí: lo que resulta difícil negar es la sensibilidad de su tema principal, interpretado por Jamie Cullum, y cuya melodía (al igual que la partitura de toda la cinta) está compuesta por Clint Eastwood, ése al que aún quedan cortos de vista que se empeñan en verle únicamente como un chuleta republicano de gatillo fácil y machismo simple. Claro que la historia tiene su aquél: al parecer, la película ya tenía una banda sonora anterior pero, al verla San Clint (creo que en Sundance), se dirigió al director, James C. Strouse, para ofrecerle un score nuevo. Y Strouse aceptó, más que nada porque a una película independiente siempre le viene bien el respaldo de una vaca sagrada. Dos nominaciones a los Globos de Oro, una de ellas a la canción principal, parecen rubricar lo acertado de la idea... aunque seguramente Max Richter, autor de la partitura original, no debe de pensar precisamente lo mismo...

Clint Eastwood y Carol Bayer Sager, Grace Is Gone, de la BSO de La vida sin Grace (2007). Interpretada por Jamie Cullum (3' 13")

Leer Minutos musicales I, II, III, IV y V

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DIFUMINARSE EN TIERRA DE NADIE

2008-10-19T12:00:00.008+02:00

Vuelvo aquí sobre una película de la que ya hablé en su día: Los tres entierros de Melquiades Estrada. Pero es que resulta difícil encontrarse con un título como éste, que siga revelando detalles nuevos en cada visionado; y la opera prima de Tommy Lee Jones como director, apoyado en un extraordinario guión de Guillermo Arriaga, desde luego, es una de ellas.

Vaya por delante que voy a comentar cosas de la trama de la película; así que, si no la has visto y eres de los que no te gusta saber absolutamente nada sobre lo que vas a ver, te recomiendo que dejes la lectura aquí mismo y corras a hacerte con una copia de esta cinta que, estoy convencido, no te va a defraudar. Eso sí, más que un consejo, una necesidad: si siempre es más que recomendable ver las películas en versión original, en este caso resulta imprescindible porque, como sucede en Vicky Cristina Barcelona (y dejemos aquí el parecido, por Dios, que no es plan de cometer sacrilegios... respecto a la maravilla que nos ocupa, claro), hay secuencias que, sencillamente, pierden su significado al ser dobladas, por cuanto es importantísimo cuándo se habla en inglés y cuándo en español, sobre todo en el caso de un Tommy Lee Jones que cambia de un idioma a otro; y la incomprensión, o por el contrario la capacidad de comunicarse por encima de la barrera del idioma, vertebran algunos de los momentos clave de la cinta.

Pues bien, este fin de semana tuve la ocasión de volver a verla (por cuarta vez, creo), y por fin creo haber comprendido lo que es el eje fundamental de esta historia, en el fondo más simbólica de lo que parece en un primer momento, y en la que Peckinpah se da la mano con el universo de Juan Rulfo, donde la distancia entre los muertos y los vivos es mínima, y tanto unos como otros son capaces de perturbar la existencia de todos: el viaje que nos relata la cinta no es más que, en el fondo, la conversión del personaje de Mike Norton (interpretado por Barry Pepper) en un nuevo Melquiades Estrada; esto es, en una persona que, de tanto vivir en el desarraigo, ha terminado por perder cualquier conexión con lugar alguno: su familia, su mujer, sus hijos, ya no le reconocen, y es como si a fuerza de dejar que su identidad se difumine (espalda mojada en Estados Unidos, olvidado en su tierra, asesinado sin que a nadie le importe demasiado, enterrado por una excavadora sin que haya alguien que derrame alguna lágrima), haya dejado de existir mucho antes de que el patrullero le disparase por un estúpido error.

Quizá sea eso, y no otra cosa, lo que comprende Pete, el personaje de Tommy Lee Jones, cuando se inventa el lugar natal de Melquiades, como si se hubiese difuminado porque, en el fondo, las personas sin pasado ni futuro provienen de lugares atrapados en la nada como el pueblo de Jiménez cuya existencia todos desconocen. Por eso no tiene sentido que mate al personaje de Mike, porque entonces nos encontraríamos ante una simple venganza; motivada o no, pero venganza sin más. Porque hemos visto que la existencia de Mike en Nuevo México es, en el fondo, tan ficticia como la del propio Melquiades: podría estar ahí, pero en realidad podría estar en cualquier otro sitio, porque su vida se limita a una sucesión de días sin huella.

Queda, en el otro lado, el final del propio Pete. Y quizá tenga puntos en contacto con los otros dos: sin lazos reales de afecto, sin nada verdaderamente suyo, es como si los dos terminasen convertidos en una especie de espectros a los que no les quedará ya más que vagar por ese territorio indeterminado que, puestos a ponerle algún nombre, hemos venido en llamar “frontera”. Más allá de una línea que nadie en su sano juicio es capaz de ver, por mucho que alguien la trazara en un mapa, existe una zona de nadie en la que, como almas desarraigadas, los dos vivos y el muerto quedan atrapados. Y por eso Los tres entierros de Melquiades Estrada es capaz de albergar una poesía tan honda que sólo la soledad puede albergarla.

Rodrigo, cortometraje dirigido por Guillermo Arriaga (2000), un estupendo aperitivo a la espera de que nos llegue su debut en el largometraje, The Burning Plain

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